2018

Jambrina, Nina.

Nueva

Título original: Politique du jeu: les dispositifs ludiques dans la dramaturgie latino-américaine contemporaine (Fabio Rubiano, Rafael Spregelburd et Gabriel Calderón).

Tesis doctoral. Arts de la scène.

Université Toulouse le Mirail - Toulouse II, Francia. 2018.

Acceso general: http://www.theses.fr/2017TOU20004

Acceso específico: https://tel.archives-ouvertes.fr/tel-01885100/document

Résumé

Que peut-il y avoir à penser entre jeu et politique? A priori, peu de chose. Cette thèse questionne pourtant l’écart apparent entre le mode ludique et la perspective politique à l’heure où cette dernière est sommée de renouveler ses formes et ses moyens au théâtre dans le cadre d’un désaveu de l’activité politique plus général depuis la fin des années quatre-vingt. Dans un dialogue ouvert entre l’expérience latino-américaine et le reste de la scène internationale, il s’agit d’observer en quoi le modèle du jeu participe au travail de redéfinition d’un théâtre qui se voudrait politique aujourd’hui. D’une part, il permet d’appréhender les transformations du contexte théâtral latino-américain à la fin du XX° siècle qui voit son modèle de théâtre politique engagé remis en question. D’autre part, il devient un outil pour étudier les textes de Fabio Rubiano (Colombie, 1963) Rafael Spregelburd (Argentine, 1970) et Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), dans leur articulation spécifique au politique. Se dessine alors une politique du jeu, dans les pas de Jacques Rancière et de sa « politique de l’esthétique », qui dispose la perspective politique, en tant que critique du présent et désir de transformation, depuis un rapport au réel, une production de sens et une conception du spectateur qui lui sont propres. Entre jeu et politique, deux dynamiques majeures s’établissent au sein du corpus. Le jeu s’offre d’abord comme un moyen paradoxal de critique. Il dispose des hétérotopies ludiques qui mettent à distance le présent pour mieux faire la peinture dystopique de ses failles et ses manquements. Dans un second temps ou simultanément, il brouille cette première interprétation critique par des expérimentations formelles et fictionnelles qui mettent l’accent sur la créativité elle-même. Si la portée utopique de ces expérimentations varie selon les textes et les auteurs, toutes participent à formuler les prémices de transfigurations à venir.

Resumen

¿Cuáles son las relaciones que podemos establecer entre juego y política? Supuestamente muy pocas. Sin embargo, esta tesis pretende cuestionar la aparente distancia entre el modo lúdico y la perspectiva política, cuando ésta se ve obligada a reflexionar sobre sus formas en un contexto de sospecha general hacia la actividad política, desde el final de los años ochenta. En este sentido, este estudio establece un diálogo entre la experiencia teatral latinoamericana e internacional, para determinar como el modelo del juego ha participado en la redefinición del teatro político de esos años hasta la actualidad. Por una parte, el juego permite entender las transformaciones experimentadas por el contexto teatral latinoamericano al final del siglo XX frente a las alteraciones de su modelo dominante de teatro político comprometido. Por otra parte, permite estudiar los textos de Fabio Rubiano (Colombia, 1963) Rafael Spregelburd (Argentina, 1970) y Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), en su articulación específica con lo político. De allí, en estas surge una política del juego, que se inscribe en la reflexión sobre la “política de la estética” de Jacques Rancière, que analiza la perspectiva política, como crítica hacia el presente y deseos de transformación, desde una relación con lo real, una producción de sentido y una concepción del espectador que le son propias. Entre juego y política, dos dinámicas principales se desarrollan en los textos. Primero, el juego se presenta como un medio paradójico para la crítica. Propone heteropías lúdicas que se distinguen de la realidad para poder pintar de manera distópica las fallas y los mancamientos del presente. Después o simultáneamente, el juego desordena la interpretación critica inicial a través de exploraciones ficcionales y formales que subrayan la creatividad en sí misma. La dimensión utópica de estas experimentaciones va cambiando según los textos y los autores pero todas contribuyen en constituir  las premisas de unas transfiguraciones por venir.

Abstract

The Politics of Play: Playful Apparatuses in Contemporary Latin-American Playwriting (Fabio Rubiano, Rafael Spregelburd and Gabriel Calderón).

At first glance, there is not much to be said about the relation between play and politics. And yet, this thesis questions the gap between playful mode and political perspective at a time when the latter is being asked to renew its theatrical forms and means in a more general context of disavowal of the political practice since the end of the 1980s. As part of an open dialogue between the Latin-American experience and the rest of the international scene, this work focuses on the ways in which the play model participates in a redefinition of a theatre striving to be political. First, it allows for the apprehension of transformations within the Latin-American theatrical context of the end of the 20th Century when its model of a politically engaged theatre was being questioned. Furthermore, it becomes a tool to study texts by Fabio Rubiano (b. 1963, Colombia) Rafael Spregelburd (b. 1970, Argentina) and Gabriel Calderón (b. 1982, Uruguay), and their specific articulation to the political. A politics of play, following Jacques Rancière’s “politics of aesthetics”, is being charted here, and it allows for the political perspective to exist as a critique of the present and as a desire for transformation, based on its own relation to the real, production of meaning and idea of the viewer. Between politics and play, two main directions can be drawn out within this corpus. Play first functions as a paradoxical means for a critique. It creates playful heteropias which distance themselves from the present to better outline the dystopic map of its flaws and failures. Subsequently or simultaneously, it complicates this first critical interpretation with formal and fictional experimentations which put forth creativity itself. Although the utopic impact of these experimentations varies according to the text and its author, they still participate in formulating the premise of a transformation to come.

2017

Argote Pavi, Ximena.

Maestría en estudios artísticos

Bogotá: Universidad Distrital Francisco José de Caldas, 2017.

Prada Prada, Jorge.

Maestría en estudios artísticos

Bogotá: Universidad Distrital Francisco José de Caldas, 2017.

Rozo Rojas, Dayan Mayerly.

Maestría en estudios artísticos

Bogotá: Universidad Distrital Francisco José de Caldas, 2017.

Smith Quijada, Irenecarolina.

Escuela de artes, mención artes escénicas

Caracas: Universidad Central de Venezuela, Facultad de Humanidades y Educación, 2017.

2016

Estudio genético de Un réquiem por el padre Las Casas y de Seis horas en la vida de Frank Kulak (La encrucijada) de Enrique Buenaventura.

Betancourt Morales, Andrés.

Titulo original: Étude génétique de Un réquiem por el padre Las Casas et Seis horas en la vida de Frank Kulak (La encrucijada) d'Enrique Buenaventura.Thèse de doctorat en Études théâtrales

Bajo la dirección de Pierre-Marc de Biasi.

​Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, 2016.

Enlace en mantenimiento.

Resumen

Esta investigación se interesa en la génesis de dos obras de teatro del dramaturgo colombiano Enrique Buenaventura (1925-2003): Un réquiem por el padre Las Casas, 1963, y Seis horas en la vida de Frank Kulak o La Encrucijada, 1969. Ambas piezas se originan en documentos y sus procesos “de génesis” son diferentes y contrastantes. Por una parte, Un réquiem por el padre Las Casas se origina en la obra Historia de las Indias de Bartolomé de las Casas y en un análisis histórico sobre el padre Las Casas. Por otra parte, Seis horas en la vida de Frank Kulak se origina en un artículo de prensa sobre un antiguo miembro de la Marina estadounidense, quien hace explotar una bomba en Chicago para protestar contra la guerra de Vietman. Buenaventura lee el artículo en el momento en que él está desarrollando un proyecto teatral sobre la guerra de Vietnam, con el Teatro Experimental de Cali (TEC).

 

Siguiendo dos conceptos propuestos por la crítica genética (exogénesis y endogénesis), esta investigación analiza principalmente: 1) las particularidades de cada obra con respecto a la relación lectura-escritura, a las maneras como los documentos se integran y se transforman; 2) el papel del grupo teatral y, en particular, la influencia de la creación colectiva que estaba empezando a ocupar un lugar predominante en la escena, a finales de la década de 1960, de modo que los actores del TEC lograron un activo papel en el desarrollo de las obras teatrales.

Un réquiem por el padre Las Casas es escrita por Buenaventura de principio a fin, con un estilo de escritura que transforma y hace suyos los materiales de los cuales parte, y posteriormente la obra será dirigida en el escenario por el mismo Buenaventura. Por su parte, la génesis de Seis horas en la vida de Frank Kulak dio varios giros, en parte debido a la relación del autor con el grupo de teatro y, al mismo tiempo, a la actualidad de tema en ese momento: el interés de Buenaventura y el conjunto de materiales para la obra convergen de maneras diferentes, lo cual obliga a reformular el proyecto entero. Además, la importancia que adquiere el tema en dicho presente tiene sus consecuencias, lo cual produce alteraciones insospechadas. A través de este proceso, la investigación permite señalar un cambio en la identidad escritural de Buenaventura; propone una reinterpretación, en términos de exogenésis y endogénesis, del modelo dinámico de “génesis teatral” propuesto por Almuth Grésillon y Jean-Marie Thomasseau (2005).

Résumé

Dans cette recherche nous nous intéressons à la genèse de deux pièces du dramaturge colombien Enrique Buenaventura (1925-2003) : Un réquiem por el padre Las Casas (Un Requiem pour le père Las Casas, 1963) et Seis horas en la vida de Frank Kulak (ou La encrucijada – Le Croisement –, 1969). Partant toutes les deux de documents préexistants elles ont néanmoins des processus de genèse différents et contrastés. Ainsi, Un réquiem por el padre Las Casas part de l’Histoire des Indes de Bartolomé de Las Casas et des ouvrages historiographiques sur Las Casas et la conquête des Indes, et Seis horas en la vida de Frank Kulak, d’un article de presse de 1969 sur un ex-marine américain qui a posé une bombe à Chicago, que Buenaventura lit dans le contexte d’un projet sur la guerre du Viet Nam au Teatro Experimental de Cali (TEC). Suivant deux concepts proposés par la génétique des genres narratifs (l’exogenèse et l’endogenèse), nous nous sommes intéressés notamment 1) aux particularités de chaque pièce concernant la relation entre la lecture et l’écriture et les modalités de transformation et d’intégration des documents ; 2) au rôle du collectif dans la genèse, notamment l’influence de la création collective qui commençait à ouvrir à la fin des années 1960 un espace important pour que les comédiens du TEC participent activement à la mise en scène. Un réquiem por el padre Las Casas est écrite du début jusqu’à la fin par Buenaventura dans une écriture qui cherche à transformer et s’approprier les matériaux de départ et elle est ensuite mise en scène par Buenaventura lui-même avec le TEC. La genèse de Seis horas en la vida de Frank Kulak traverse de multiples vicissitudes en raison de ses contacts avec la troupe, d’une part, et de l’actualité du sujet, d’autre part : l’atelier du dramaturge et le plateau convergent de plusieurs manières reformulant le projet et la force du présent produit des bouleversements inattendus. Notre recherche nous permet de formuler un changement dans le statut du scripteur chez Buenaventura ainsi qu’une réinterprétation en termes d’exogenèse et d'endogenèse du modèle dynamique d’Almuth Grésillon et Jean-Marie Thomasseau (2005) pour la genèse théâtrale.

 

Abstract:

This research takes interest in the genesis of two theater plays by Colombian playwright Enrique Buenaventura (1925 – 2003): A Requiem for father Las Casas, 1963, and Six hours in the life of Frank Kulak or The Crossroad, 1969. Both theater plays originate in previous documents and their genesis processes are different and contrasting. On the one hand, A Requiem for father Las Casas originates in History of the Indies by Bartolomé de las Casas and in historic analysis about Las Casas. On the other hand, Six hours in the life of Frank Kulak, originates in a press article from 1969 about a former American marine who explodes a bomb in Chicago in order to protest against the Vietnam war. This article is read by Buenaventura during the development of a theater project about the Vietnam war at Cali’s Teatro Experimental (TEC). Following two concepts suggested by genetic criticism (exogenesis and endogenesis), this research is concerned with 1) the particularities of each play with respect to the reading – writing relation and the documents’ transformation and integration modes; 2) the role of the Theater group in the origin and, in particular, the influence of collective creation that was beginning to create an important space, by the end of the 1960s, for the TEC actors to play an active role in the development of theater plays. A Requiem for father Las Casas is written by Buenaventura from start to end with a writing style trying to transform and make his own the materials from which it originates and later on is directed by Buenaventura himself. The genesis of Six hours in the life of Frank Kulak takes various twists, in part due to the relation to the theater group and, at the same time, due to the subject topicality: Buenaventura’s studio and the play set converge in different ways reformulating the whole project. Also, the importance of the present takes its toll to produce unsuspected alterations. Through this process this research allows to pinpoint a change in the writing identity of Buenaventura; it also proposes a reinterpretation, in terms of exogenesis and endogenesis, of the theater genesis dynamic model by Almuth Grésillon and Jean-Marie Thomasseau (2005).

Clavijo Riveros, William Orlando.

Universidad Nacional Abierta y a Distancia, Unad.

Especialización en Educación, Cultura y Política (2016).

Asesorada por Milly Andrea Muñoz Fandiño.

Mejía Bedoya, Manuel.

Universitat de Valéncia, 2016.

Programa de Doctorado Teatro y Literatura Española, Hispanoamericana y Portuguesa.

Bajo la dirección de Manuel Diago Moncholí.

Resumen

El propósito del presente trabajo de investigación doctoral, Forma y Sentido de algunos textos teatrales de Enrique Buenaventura (1925-2003), tiene como objetivo, analizar dichos textos, de uno de los más importantes dramaturgos colombianos del siglo XX, considerado como uno de los innovadores y fundador, entre otros importantes dramaturgos colombianos, del Movimiento Nuevo Teatro Colombiano, que inicia a partir de la segunda mitad del siglo XX hasta finales de la década de los años Ochenta en Colombia. Como metodología de análisis, se ha aplicado el sistema tradicional de las generaciones literarias, propuesta que parte de la Sociología, la Filosofía y la Estética Literaria, de Lucien Goldmann, con unas variaciones introducidas por Ángel Berenguer, de la Universidad de Alcalá. En la primera parte, se presenta un esbozo de dicho método, ampliado y complementado con otros planteamientos críticos acerca de otras escuelas de análisis literarios, como la Estética de la Recepción, la Semiótica Teatral, el Formalismo Ruso, resumidos por Hans Robert Jauss en su ya célebre lección de 1967, La historia de la literatura como provocación de la ciencia literaria. Así mismo, a partir de la idea del Teatro como Sistema de la Cultura, de Erika Fischer-Lichte y de Anne Ubersfeld y su Semiótica Teatral., visión complementada con algunos planteamientos de Patrice Pavis. En la segunda parte, se presenta un panorama general acerca de la historia política colombiana del siglo XX, de las Artes, como la Plástica, la Literatura y el Teatro de la época. Y en la tercera parte, se propone un esquema de análisis, que intenta redondear la mirada y el estudio crítico propuesto por Berenguer, con el cual se analiza un corpus de siete textos dramáticos de Buenaventura: A la diestra de Dios Padre y sus cinco versiones (1958-1984), Soldados (1968), La Maestra (1968), La Orgía (1968), La Denuncia (1973), El Ánima sola (1988) y Proyecto Piloto (1990).

 

En términos generales, dicha metodología plantea el estudio de aspectos generales sobre el autor a estudiar, tales como su biografía, que comprende los acontecimientos sociales y políticos, el ambiente social, las tendencias artísticas de la época, así como también las literarias y, por supuesto, el teatro de su tiempo. Se amplía estas consideraciones con los objetivos sociales y políticos del autor, su propuesta estética y teatral, así como también sus logros.

 

El análisis de las obras incluye aspectos como los datos y antecedentes, la síntesis argumental, el conflicto principal y/o los secundarios, el tema, el/los personajes principales, el espacio, el tiempo, el movimiento y la progresión dramática, la estructura ideológica.

 

Abstract

The purpose of this doctoral research, Forma y Sentido de algunos textos teatrales de Enrique Buenaventura (1925-2003), aims to analyse those texts of one of the most important colombian playwright in the XX century, who is considered as one of the innovators and founders of Nuevo Teatro Colombiano movement, among some other important colombian playwrights; such movement starts from the second half of the XX century until the end of the decade of the eighties in Colombia. It has been applied the traditional system of literary generations as methodology of analysis, this proposal starts from the Solciology, Philosophy and literary aesthetics of Lucien Goldmann, with some changes introduced by Angel Berenguer, from the Univerniversity of Alcala. In the first part, it is presented an outline of this method, expanded and supplemented by other critical statements about other schools of literary analysis, as the aesthetics of reception, the Theatrical Semiotics, Russian Formalism, summarized by Hans Robert Jauss in his now well-known lesson of 1967, La historia de la literatura como provocación de la ciencia literaria. Likewise, from the idea of theater as a Cultural System, by Erika Fischer-Lichte and Anne Ubersfeld, and their Theatre Semiotics, this vision is supplemented with some approaches from Patrice Pavis. In the second part, it is presented an overview about the colombian political history of the art in the XX century, such as visual arts, literature and theater of that period. In the third part, it is proposed a analysis scheme, triying to round the view and critical study suggested by Berenguer, with which it is analyzed a corpus of seven dramatics texts by Buenaventura: A la diestra de Dios Padre y sus cinco versiones (1958-1984), Soldados (1968), La Maestra (1968), La Orgía (1968), La Denuncia (1973), El Ánima sola (1988) y Proyecto Piloto (1990).

 

Overall, this methodology presents the studies of general aspects about the author to be studied, such as his biography, the artistic trends of the time, as well as literary trends and, of course, the theater of his time. These considerations are expanded with social and political objectives of the author, his aesthetics and theatrical proposal, as well as his achievements.

 

The analysis of the works includes things like the data and the background, the plot summary, the main and/or secondary conflicts, the theme, the main characters, the setting, the time, the movement and the dramatic progression, the ideological structures.

Rodríguez Moreno, Laissa Melina.

Bajo la dirección de Paola Hernández

Doctor of Philosophy in Spanish

University of Wisconsin-Madison, 2016

Abstract

This dissertation, “Metaphors of Fratricide on Stage: Authoritarianism and Internal Violence at the End of the 20th Century in Argentina, Peru, and Colombia” analyzes theater, performative practices, visual material, and political documents to study two cases of civil war (Peru and Colombia) and one of a ‘myth’ of war that fueled strong internal repression (“Argentine Revolution” and “National Reorganization Process”). In each country, fraternity was a way to conceive the national community, and it reflected the society’s ideal of justice, equality, and solidarity – an ideal that brought together a diverse group of citizens willing to build a community. However, the general public’s approval of or indifference to the extreme violence in these nations during the last part of the 20th century brought me to wonder about the imaginaries that nations create. How did Colombia, Peru, and Argentina manage to keep an imaginary that integrated citizens in the community while they simultaneously drew a line to separate the internal enemy? How did ordinary people switch from the ideal of fraternity to a mindset that reinforced the necessity of violence against their peers? In my dissertation, I propose that the paradigm of fraternity was challenged through new metaphors that facilitated the construction of an enemy out of one’s own fellow citizens. I focus my research on three main metaphorical concepts, each belonging to a country where it was profusely used during these highly militarized periods: the “disease” of the “social body” in Argentina; metaphors related to sacrifice and the “blood quota” to pay for a better world in Peru; and metaphors related to animality in Colombia. These metaphors were imposed into the social imaginary and facilitated the use of violence and the denial of the rights and life of certain citizens. Their integration into mechanisms of spectacle promoted emotional and ideological responses, and their association with daily notions eased their assimilation into the nation’s reality. As a result, the army in Argentina, Shining Path in Peru, and paramilitary groups in Colombia were able to establish a link between these metaphors and a disciplinary system that enabled, paradoxically, the institution of a hierarchical order –patriarchy rather than the equality promoted by fraternity. By those means, they reinforced a new way to conceive reality and a change in the ethical codes.

 

Resumen

Esta disertación, “Metáforas del fratricidio en escena: autoritarismo y violencia interna a fines del siglo XX en Argentina, Perú y Colombia”, analiza obras de teatro, prácticas performativas, material visual y documentos políticos, con el objeto de estudiar dos casos de guerra civil: uno, en Perú y Colombia, y un "mito" de guerra en Argentina, que alimentó una fuerte represión interna durante los periodos conocidos como la "Revolución Argentina" y el "Proceso de Reorganización Nacional". En cada país, la fraternidad era una manera de concebir la comunidad nacional y reflejaba el ideal de justicia, igualdad y solidaridad de la sociedad; un ideal que convocaba a un grupo diverso de ciudadanos dispuestos a construir país. Sin embargo, la aprobación o indiferencia frente a la violencia extrema, me hizo preguntar sobre los imaginarios creados en esas naciones. ¿Cómo lograron Colombia, Perú y Argentina mantener en la comunidad un imaginario de integración ciudadana, mientras, simultáneamente, trazaban una línea para separar a un enemigo interno?; ¿Cómo se cambió el ideal de fraternidad por una mentalidad que reforzó la necesidad de violencia entre compatriotas? En mi disertación propongo que, a través del uso de nuevas metáforas, se disputó el paradigma de la fraternidad y se facilitó la construcción de un enemigo surgido entre los propios conciudadanos.

Mi investigación se centra en tres conceptos metafóricos, cada uno usado profusamente en un país específico durante estos períodos altamente militarizados: la "enfermedad" del "cuerpo social" en Argentina; metáforas relacionadas con el sacrificio y la “cuota de sangre” para pagar por un mundo mejor en Perú; y metáforas relacionadas con la animalidad en Colombia. Estas metáforas se impusieron en el imaginario social y facilitaron el uso de la violencia, la negación de los derechos y el menosprecio por la vida de ciertos ciudadanos. Se integraron a mecanismos de espectáculo, lo cual promovió respuestas emocionales e ideológicas, y permitieron la asociación de actos de violencia con nociones diarias, hecho que favoreció su asimilación. Como resultado, el ejército en Argentina, Sendero Luminoso en Perú y los grupos paramilitares en Colombia pudieron establecer un vínculo entre estas metáforas y un sistema disciplinario que permitió, paradójicamente, instituir un orden jerárquico: el patriarcado, en lugar de la igualdad promovida por la fraternidad. De esa manera, se reforzó una nueva forma de concebir la realidad y un cambio en los códigos éticos.

Rozo Flórez, Pedro Miguel.

Nueva

Maestría en literatura

Dirigida por Carlos Sepúlveda

Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana, 2016

Sánchez de Sousa, Ana.

Bajo la dirección de María Ángeles Pérez López

Tesis doctoral. Departamento de Literatura Española e Hispanoamericana.

Universidad de Salamanca, 2016.

Resumen

Revisitar un fenómeno artístico tan vital y orgánico como el Nuevo Teatro latinoamericano, a la luz de la teoría comparatista, implica ineludiblemente entregarse a la diligente tarea de examinar experimentos teatrales muy heterogéneos y, a la vez, ahondar en áreas de conceptualización teórica que se han redefinido de forma constante. Nuestra inclinación hacia este sendero de los estudios literarios nace a raíz de una investigación realizada en 2011, en el ámbito del programa de Doctorado del Departamento de Literatura española e hispanoamericana de la Universidad de Salamanca, sobre las relaciones dialógicas presentes en los métodos de creación colectiva de los dramaturgos Augusto Boal y Enrique Buenaventura. En su momento, fundamentamos nuestro interés en el extraordinario liderazgo asumido por ambos en la reorientación de los movimientos teatrales en Brasil y en Colombia y en la introducción de un nuevo paradigma de producción teatral en la segunda mitad del siglo XX.

 

En efecto, Augusto Boal lidera desde el Teatro Arena una labor de renovación del espacio escénico brasileño mediante la formulación de la poética teatral del Teatro del Oprimido, a la vez que Enrique Buenaventura impulsa la creación de una dramaturgia nacional empleando un innovador método de producción colectiva, conceptualmente desarrollado en el Teatro Experimental de Cali. En ese sentido, teniendo en cuenta que sus líneas de trabajo se implicaron en un contexto literario y cultural común, consideramos de gran relevancia llevar a cabo un estudio que relacionara sus trayectorias literarias y, particularmente, sus propuestas dramatúrgicas. Para este cometido, apoyamos nuestro marco teórico en los postulados de la literatura comparada, en concreto, en el conjunto de estudios llevados a cabo por Julia Kristeva (1967, 1978), Mikhail Bakhtine (1984) y Claudio Guillén (1971, 1985, 1989) en torno a las relaciones literarias de influencia o de intertextualidad para establecer un claro criterio de aproximación a las obras de Boal y Buenaventura. Partiendo de este primer acercamiento, con la presente tesis asumimos el reto de consolidar nuestra propuesta de lectura comparada, apoyándonos en un corpus de análisis que va más allá de la obra ensayística de los autores y se detiene en algunas de sus producciones dramáticas que han logrado proyectar internacionalmente la identidad cultural latinoamericana. Aunque somos conscientes del riesgo que entraña adentrarse en el estudio de dos figuras de tal envergadura, pues constituyen verdaderas eminencias en las respectivas culturas brasileña y colombiana, nos sigue moviendo el interés de ampliar y matizar los resultados de semejante cotejo. Este ha sido el punto de arranque de nuestra investigación que constituye, en última instancia, una aportación francamente modesta en el ámbito de los estudios de teatro latinoamericano. Al adentrarnos en el estado de la cuestión, hemos comprobado que, pese a la extensa bibliografía crítica dedicada a las obras de los dramaturgos, los estudios no profundizan, de forma holística y definitiva, en el encuentro dialógico que se puede establecer entre sus trayectorias artísticas.

Solano Solano, María Gabriela.

Nueva

Doctor of philosophy (spanish).

Madison: University of Wisconsin, 2016.

Resumen

En esta disertación sostengo que el teatro y la actuación latinoamericanos exploran las violaciones de los derechos humanos de la última parte del siglo XX al escenificar y cuestionar el papel del cuerpo ausente. Investigo tres grupos de teatro y performance (Yuyachkani en Perú, Teatroxlaidentidad en Argentina y Mapa Teatro en Colombia) que se apropiaron de manera proactiva del teatro documental de la década de 1960 para difundir la memoria de las comunidades erradicadas, así como miles de personas que fueron perseguidas, arrestadas y desaparecidas. Este teatro documental combina eventos históricos ocurridos en Argentina (1976-1983), Perú (1992-2000) y Colombia (1960-presente). En América Latina, a principios del siglo XXI, el teatro documental busca un enfoque interdisciplinario que reúna teorías del trabajo social, la psicología, el rendimiento y la crítica cultural. A través del estudio de las teorías de la psicología, incluido el concepto de "intimidad" de Lauren Berlant y el proceso de "transmisión del afecto" de Teresa Brennan, afirmo que estos artistas crean momentos de intimidad que no solo abogan por la transmisión del afecto entre todos los involucrados (víctimas, actores, directores y espectadores), pero eso también amplía la noción de lo que puede hacer el teatro documental del siglo XX. Desde sus orígenes en la década de 1960, observo que el proceso artístico del teatro documental en estos tres grupos teatrales difiere en la forma en que los actores, testigos y espectadores viven los testimonios y documentos oficiales. Como resultado, la puesta en escena del cuerpo ausente, las víctimas desaparecidas y las comunidades erradicadas, tiene lugar cuando la emoción de todos los involucrados, transmitida a través de momentos efectivos de intimidad, cambia sus cuerpos biológica y físicamente. Al final de mi argumento, demuestro que el teatro documental del siglo XX rompe los límites entre las víctimas, los actores y el público para transformar el escenario en un espacio vital para la memoria. El compromiso social de estos grupos teatrales con el Teatro Documental ha sido el detonante de los cambios sociales en América Latina en la actualidad. Este es el motivo de esta disertación. En el caso de Yuyachkani, muchas víctimas superaron su miedo a testificar. Mientras tanto, Teatroxlaidentidad tuvo la oportunidad de identificar a unos cien niños incautados durante la Guerra Sucia en Argentina.

 

Abstract

In this dissertation I argue that Latin American Theatre and Performance explore human rights violations of the latter part of the XX Century by staging and questioning the role of the absent body. I investigate three theatre and performance groups (Yuyachkani in Peru, Teatroxlaidentidad in Argentina and Mapa Teatro in Colombia) that proactively appropriate Documentary Theatre from the 1960s in order to disseminate the memory of eradicated communities as well as thousands of people who were persecuted, arrested and disappeared. This Documentary Theatre meshes historical events occurred in Argentina (1976-1983), Peru (1992-2000) and Colombia (1960-present). In Latin America, at the beginning of the 21st Century, Documentary Theatre calls for an interdisciplinary approach that brings together theories from social work, psychology, performance and cultural criticism. Through the study of psychology theories, including Lauren Berlant's concept of 'intimacy' and Teresa Brennan's process of 'transmission of affect, ' I contend that these artists create moments of intimacy that not only advocate the transmission of affect among all those involved (victims, actors, directors, and spectators), but that also expand the notion of what Documentary Theatre of the XX Century can do. From its origins in the 1960s, I remark that the artistic process of Documentary Theatre in these three theatrical groups differs in the way actors, witnesses and spectators are living the testimonies and official documents. As a result, the staging of the absent body--the disappeared victims and eradicated communities -- takes place when the emotion of all those involved, transmitted via effective moments of intimacy, change their bodies biologically and physically. At the end of my argument, I demonstrate that Documentary Theatre of the XX Century breaks the boundaries between victims, actors and the audience to transform the stage into a living space for memory. The social commitment by these theatrical groups with the Documentary Theatre has been the trigger for social changes in Latin America today. This is the motive of this dissertation. In the case of Yuyachkani, many victims overcame their fear of testifying. Meanwhile, Teatroxlaidentidad had the opportunity to identify around one hundred children seized during the Dirty War in Argentina.

Torres de Serrano, Yamile.

Bajo la dirección de Carmen Alcaide Spirito.

Tesis doctoral, Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica.

Universidad Complutense de Madrid, 2016.

Resumen

Esta tesis titulada La intervención arteterapéutica en el ámbito educativo: es una herramienta para la solución de conflictos parte de la hipótesis de que La arteterapia es una herramienta válida para resolver los conflictos de violencia escolar en los centros educativos de Floridablanca (Santander del Sur, Colombia), y para comprobarla, se realiza la apropiación de algunas de las diferentes manifestaciones artísticas (música, danza, literatura, teatro y artes plásticas y visuales) como una herramienta pedagógica para bajar los índices de violencia y agresividad en el aula de clase, indagando en cómo esto propicia que los estudiantes mejoren su comportamiento. Por ello, al comenzar la tesis, nos planteamos el siguiente objetivo principal: Estudiar los hechos reales de una comunidad educativa con altos índices de violencia, verificar su transformación a través de la aplicación de herramientas terapéuticas y creativas para comprobar la mejora de la calidad de vida por medio de las experiencias humanas y el trabajo en equipo. Y para alcanzar el mismo, elaboramos tres objetivos específicos: 1. Investigar que experiencias artísticas realizadas en terapia se pueden implementar con menores en situaciones de riesgo y atención a la diversidad. 2. Determinar que herramientas y recursos pueden facilitar el trabajo pedagógico con estudiantes en dificultades, violencia y conflicto para un proceso de transformación a nivel individual y grupal. 3. Verificar si es posible aplicar una metodología innovadora que afiance procesos formativos de convivencia pacífica y cultura ciudadana...

 

Abstract

This thesis entitled The art therapy intervention in education: a tool for conflict resolution part of the hypothesis that art therapy is a valid tool to reduce conflicts of school violence in schools in Floridablanca (Santander del Sur, Colombia) and to check it, grabbing some of the different art forms (music, dance, literature, theater and visual arts) as a pedagogical tool to lower levels of violence and aggression in the classroom is done, investigating as this encourages students to improve their behavior. Therefore, when starting the thesis, we propose the following main objective: Study the facts of an educational community with high rates of violence, verify its transformation through the application of therapeutic and creative tools to ensure improved quality of life through human experience and teamwork. And to achieve the same, we developed three specific objectives: 1. Implement artistic experiences in therapy with children at risk and attention to diversity. 2. Find tools and resources that facilitate the pedagogical work with students in difficulty, violence and conflict transformation for individual and group level. 3. Apply an innovative methodology that strengthens learning processes of peaceful coexistence and civic culture...

2015

Vera Guerrero, Manuela Elisa.

Tesis doctoral departamento de Filología española II.

Bajo la dirección de José Luis García Barrientos.

Universidad Complutense de Madrid, 2015.

Resumen:

Partiendo del estudio de Se necesita gente con deseos de progresar y El mediumuerto: tragicomedia milenarista, escritas por José Domingo Garzón; Club suicida busca… parodia de la fatalidad en un acto y Purgatorio express. Parábola de la bondad en nueve cuadros y un epílogo, de Pedro Miguel Rozo; Mosca y Sara dice, de Fabio Rubiano; Pasajeras y Magnolia perdida en sueños, de Ana María Vallejo; y Segundos y Gallina y el otro de Carolina Vivas, nos adentramos en un análisis riguroso, en el que se indagan las formas dramáticas, para descubrir la estructura de sentimiento, noción acuñada por Raymond Williams y principal categoría de este trabajo, que podría caracterizar al teatro colombiano en el umbral del siglo XXI. La idea es determinar qué elementos subyacen y configuran al teatro colombiano de las últimas décadas.

 

La metodología aplicada es un tanto novedosa, se trata de la dramatología, desde la perspectiva del teórico español José Luis García Barrientos, quién además ejerce como tutor de este estudio. Este instrumento permite referirse a las diez obras que constituyen el corpus de este trabajo desde una terminología precisa. Además, se consolida como un marco teórico que tiene por prioridad hablar de lo dramático, desde aquello que lo diferencia de otras formas representativas.

2014

 

Abderhalden Cortés, Rolf.

Nueva

Tesis doctoral en: Théâtre – Ethnoscénologie

École doctorale EDESTA: Esthétique, Sciences et Technologie des Arts.

Saint Denis: Université Paris VIII, 2014.

Acceso al texto: http://www.theses.fr/2014PA080019

Descargable en: theses.fr/2014PA080019/document

Résumé

Mapamundi (du latin mappa mundi, «carte du monde», représentation de toute la superficie de la planète.) La Mapamundi, que je présente dans le cadre de cette thèse doctorale, est un essai de configuration poétique de l’étendue du «plurivers» artistique de Mapa Teatro pendant ses trente ans d’existence (1984-2014). Elle est imprimée sur papier et en même temps sur ma peau, inscrite dans la mémoire du corps. Trace physique d’une histoire, marque géographique d’un affect : à la fois pensée du corps et corps d’une pensée. Les cartes qui représentent la superficie de la Terre utilisent une « projection », une manière de traduire la superficie réelle tridimensionnelle d’un géoïde en un dessin bidimensionnel. Une Mapamundi « projetée » en une forme sensible, réflexive, pluriaxiale, qui se distinguerait d’un type d’analyse taxonomique purement « extérieur », mais aussi de tout catalogue intimiste, exclusivement « intérieur », et même de toute archive supposée intégrale, tel est le défi que je tenterai à présent dans la forme Atlas, « projection » conceptuelle et affective, théorique et poétique, de la Mapamundi de Mapa Teatro. L’Atlas est une forme visuelle du savoir, une forme savante du voir (Didi-Huberman). Une cartographie autant chronographique que chronogénétique, parce qu’elle trace un devenir, parce qu’elle ouvre des possibles. La carte (un espace, un dispositif), le témoin (un point de vue, une subjectivité) et le triptyque (un temps, un événement) constituent les trois axes de projection et d’analyse réflexive choisis pour la configuration de cet Atlas : carte (chapitre I), témoin (chapitre II) et triptyque (chapitre III) réunissent et problématisent un ensemble de figures qui traversent la cartographie poïétique de Mapa Teatro depuis sa création jusqu’à ce jour. Une forme de pensée-montage.

 

Abstract

Mapamundi : Poïétic plurivers : (Mapa Teatro 1984-2014)

Mapamundi (from latin mappa mundi, « world’s map» a representation (a map) of the entire surface of the planet). The Mapamundi, that I here present, under the frame of this doctoral research, is an attempt to draw a poetical configuration of Mapa Teatro’s artistic «plurivers», built up during its thirty years of existence (1984-2014). It is printed on paper, and at the same time on my skin, engraved in my body’s memory. Physical trace of a history, geographical affectionate token: both the thinking of a body and a body of thought. Maps that represent the surface of the earth make use of a « projection », as a way of translating the real three-dimensional surface of a geoids into a two-dimensional basin. This is a «projected» Mapamundi in a sensible, reflective, pluriaxial form, that distinguishes itself not only from a taxonomic analysis, but also from any type of intimate catalogue, exclusively interior, or of any kind of a presumably overall archive. This is the challenge that I have risked in this Atlas form, a conceptual and affective « projection », both theoretical and poetic, of Mapa Teatro’s Mapamundi. An Atlas is a visual form of knowledge, a savant form of seeing (Didi-Huberman).A cartography in as much as it is both chronographic and chronogenetic, because it draws a becoming, because it opens to the possibles. The map (a space, a device), the witness ( a point of view, a subjectivity ) and the triptych ( a time, an event ) have been the three axis of projection and of reflective analysis chosen to shape this Atlas. Map (Chapter I), Witness (Chapter II) and Tryptique (Chapter III) gather and problematize a group of figures that traverse Mapa Teatro’s since its creation to our days. A form of montage-thought.

Caycedo, Carolina.

University of Southern California, 2014. 

Master of Fine Arts.

Resumen:

Be Dammed es un proyecto investigativo que explora los conceptos de fluir y contener (particularmente al mirar la interrelación entre el planeamiento y construcción de una presa hidroeléctrica y una reserva hídrica), junto a mecanismos de control social. Esta tesis se enfoca en la primera hidroeléctrica que será construida por una compañía privada transnacional en Colombia: Proyecto Hidroeléctrico del Quimbo en la rivera del Magdalena (Huila, Colombia).

 

Esta infraestructura está convirtiendo un cuerpo de agua público en un recurso privado, un proceso de corporativización rural, geográfica y ecológica. La política extractiva de la generación hidroeléctrica va acompañada de la militarización del territorio, el desplazamiento de los nativos, y la consecuente fragmentación de ecosistemas, comunidades y economías locales. La resistencia por parte de ambientalistas nativos ha tomado forma de asociaciones diversas y cuerpos colectivos, integrados por una variedad de grupos sociales y comunidades como los pescadores, académicos, campesinos, artistas y activistas. El cuerpo es usado como una herramienta política para intentar frenar el desplazamiento y despojamiento. Permanecer en el territorio implica una radicalización de los gestos diarios asociados con la geografía, con los ecosistemas del río y con las economías sustentables locales, como la pesca. Iniciativas comunitarias, como las geo-coreografías, entretejen discurso crítico, performance, teatro, resistencia política, danza contemporánea, clown y técnicas de circo, paros, cierre de carreteras, cocinas comunitarias, caminatas y acciones legales, lo cual permite desarrollar estrategias que relacionan justicia social y prácticas ambientales con una praxis creativa, colaborativa y estética.

 

 

Abstract:

Be Dammed is a research-based project that explores concepts of flow and containment, particularly looking at the interrelations between the planning and construction of large hydroelectric dams and water reservoirs, and mechanisms of social control. In this thesis I focus on the first hydroelectric to be constructed by a private transnational company in Colombia: El Quimbo Hydroelectric Project in the Magdalena River in Huila, Colombia.

 

This infrastructure is turning a public body of water into a privatized resource; a process of rural, geographical, and ecological corporatization. The extractivism policy of hydroelectric generation goes hand in hand with the militarization of the territory, the displacement of natives, and the consequent fragmentation of ecosystems, communities and local economies. Resistance from native environmentalists takes form in different associations, or collective bodies, conformed by a variety of social groups and communities such as fisherman, academics, farmers, artists, and activists. The body is used as a political tool to hold the ground against displacement and dispossession. To remain in the territory entails a radicalization of the everyday gestures associated to the geography and ecosystems of the river, and to the local sustainable economies, such as fishing. Community initiatives like geo-choreographies intertwine critical discourse, performance art, theater, political resistance, contemporary dance, clown and circus techniques, striking, road blocking, community kitchens, hiking, and legal actions; developing strategies that intersect social justice and environmental practices with creative, collaborative and aesthetic praxis.

Díaz, Bibiana. 

Bajo la dirección de Lucía Guerra Cunningham

Doctor of Philosophy in Spanish

University of California, Irvine, 2014


Resumen

Una de las características de la narrativa colombiana de mitad del siglo XX es la necesidad de describir todas las injusticias socio-políticas mediante una emergente voz de minorías, de esa otredad, registrada a través de la literatura. Las novelas estudiadas en esta tesis ofrecen una visión plural de identidades genéricas como expresiones de la marginalidad, con respecto a los discursos hegemónicos de la nación. El objetivo de esta disertación es precisamente analizar estos discursos disidentes tanto en el teatro como en la novela. La elección de dos áreas con especificidad distinta responde al deseo de presentar dos tipos de "discurso" de las minorías genéricas. Mientras en la novela se realiza una elaboración narrativa donde se incursiona en las subjetividades genéricas, los espacios que ocupan y sus relaciones con los presupuestos de la nación, en los textos teatrales se incorporan prácticas discursivas y performativas que construyen un imaginario social revelador de las relaciones sociales y los proyectos culturales incluyentes/excluyentes de estas subjetividades, teniendo en cuenta una diversidad de rasgos y tratamientos de códigos teatrales que corresponden al contexto histórico.

 

Los autores estudiados revelan los varios niveles de tensión entre el discurso oficial de la nación que proclama igualdad entre sus ciudadanos y el discurso disidente desde la perspectiva de minorías genéricas. En las novelas de mujeres, el discurso femenino ha logrado agencia pasando de una interioridad a una búsqueda de identidad en donde la mujer empieza escribiendo sobre ella misma, interrogando valores, explorando aspectos de lo desconocido, a la vez que registra hechos históricos nacionales desde el ámbito privado de la casa, la cocina, la cotidianidad elaborando una visión contestataria de la nación. En los textos de temática gay se desarrollan subjetividades homosexuales que exploran su identidad a través de los espacios urbanos, reinscribiendo nuevas cartografías con su deseo homoerótico y presentando, a su vez, una perspectiva disidente con respecto al imaginario nacional, sus íconos y sus discursos oficiales. Las/los autoras/es son agentes de cambio al otorgarle voz a esas minorías genéricas que poseen la carga representacional de la nación colombiana signada de hibridez.

Esquivel, Catalina.

Tesis doctoral de estudios de doctorado en lengua y literatura catalana y estudios teatrales

Facultad de filosofia y letras de la Universidad Autónoma de Barcelona

Director: Victor Molina

Tutor: Francesc Foguet

2014

Pérez Fleming, Alejandra.

Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana, 2014.

Comunicación social

Bajo la dirección de Carolina Venegas

Romero Rey, Sandro.

Universitat de Barcelona, 2014. 

Programa de doctorado: Culturas y Lenguas del mundo antiguo y su pervivencia.

 

Actualmente ya se encuentra publicado el libro resultado de este estudio. Presentamos la carátula del mismo.

2013

 

Violent Stages: Excess, Memory and Ritual in Contemporary Theater in Bogotá

​Aschner Restrepo, Camila.

Emory University, USA, 2013.

Tesis de doctorado

Bajo la dirección de Michael Moon

 

Resumen:

Esta tesis doctoral explora cómo el teatro colombiano contemporáneo ha respondido a historias recientes de violencia en el país. Se analiza cómo las producciones teatrales crean estéticas del exceso que efectivamente reinscriben memorias en el público, al operar como espacios rituales. En el primer capítulo se estudia Los santos inocentes de Mapa Teatro, la cual está basada en un festival homónimo en Guapi, Cauca, y en las masacres del río Naya. La obra es leída como un ejemplo de lo que Antonin Artaud llama “teatro de la crueldad” y es puesto en diálogo con teoría sobre carnaval, teatro y exceso. Se analiza cómo la obra reúne instancias de alegría y dolor (festival y masacre) en un solo evento teatral que supera la audiencia y la hace parte de una historia que disuelve la frontera entre realidad y ficción. El segundo capítulo se basa en Homo Sacer del Teatro de Occidente y su dramaturgia de la fragmentación. Esta producción es vista en diálogo con la obra del mismo título, de Giorgio Agamben, que sirvió de inspiración para el texto dramático, con el fin de entender los diferentes tipos de sacralidad que la producción procura restaurar a la vida humana. La investigación propone que el performance recrea efectivamente el espacio de una fosa común, obligando a los espectadores a ocupar el lugar de las víctimas. En el tercer capítulo se estudia El deber de Fenster de Nicolás Montero y Humberto Dorado. La obra está basada en el principal testimonio de la masacre de Trujillo, Valle del Cauca, y construye una pieza documental alrededor de ella. La pieza es analizada en diálogo con teorías sobre la tortura y el testimonio, y arguye que la obra misma se convierte en un ejemplo de testimonio que interpela al espectador y lo transforma en testigo. También se estudia el papel que el fantasma juega en la producción, para entender el papel de la memoria del desaparecido en el escenario. El último capítulo presenta las tres obras en diálogo, con el fin de mostrar las operaciones que las tres realizan en relación con el exceso, la memoria y el ritual, y cómo ellas se convierten en nuevos ejemplos de violencia en escena.

 

Abstract (original):

This dissertation explores how contemporary theater in Colombia has been responding to recent histories of violence in the country. I analyze how theatrical productions construct aesthetics of excess that effectively re-inscribe memories into the public by operating as ritual spaces. In the first chapter I study Mapa Teatro's Los santos inocentes, which is based on an homonymous festival in Guapi, Cauca, and the massacres of the Naya River. I read the play as an example of what Antonin Artaud called "theater of cruelty" and set it in dialogue with theories about carnival, theater and excess. I analyze how the play brings together instances of joy and pain (festival and massacre) in a single theatrical event that overwhelms the audience and makes it part of a story that dissolves the borders between truth and fiction. The second chapter is based on Teatro de Occidente's Homo Sacer and its theater of fragmentation. I read this production in dialogue with Giorgio Agamben's work of the same title that served as inspiration for the play in order to understand the different types of sacredness that the production seeks to restore to human life. I argue that the performance effectively recreates the space of a mass grave forcing its audience to occupy the place of the victims. In the third chapter I study Nicolás Montero and Humberto Dorado's El deber de Fenster. The play is based on the main testimony about the massacre of Trujillo, Valle, and builds a documentary piece around it. I read this play in dialogue with theories about torture and testimony and argue that the play itself becomes a new instance of testimony that interpellants the spectators transforming them into witnesses. I also analyze the role that ghosts play in the production in order to understand the role of the memory of the disappeared on stage. The last chapter presents the three plays in dialogue in order to show the operations that they perform together on excess, memory and ritual and how they become new instances of violence on the stage.

​Díaz Rosero, Yolanda.

Universidad Tecnológica de Pereira y Universidad del Tolima, 2013.

Maestría en Literatura Latinoamericana

Bajo la dirección de Víctor Viviescas

Resumen:

Este trabajo es el producto de las reflexiones sobre la escritura dramática de Gustavo Andrade Rivera, ubicada en el contexto del teatro colombiano de mitad del siglo XX, período de especial interés porque a partir de él se empieza a gestar la renovación de la escena nacional. Siguiendo los razonamientos del crítico Víctor Viviescas, por unas características e intereses comunes, el teatro que se produce en esta etapa de transformación corresponde a la modalidad de representación épico-crítica. Así, a la luz de estos postulados, las disertaciones sobre la obra dramatúrgica andradiana buscan argumentar que ella asume características de esta modalidad de representación y contrasta con el teatro que se venía haciendo en Colombia en el que predomina la ilusión de la realidad, el papel pasivo del espectador frente a la representación, el privilegio de los cánones clásicos, entre otros. Contrario a esto, en las obras estudiadas de Andrade Rivera hay preponderancia del antiilusionismo, se busca despertar la crítica del espectador a través de diferentes mecanismos, hay inquietud por el análisis crítico de la realidad y la búsqueda consciente de nuevas formas dramatúrgicas que beben principalmente de la fuente del teatro brechtiano y de técnicas y elementos vanguardistas.

 

Así, esta monografía contiene el análisis de siete obras dramatúrgicas de Gustavo Andrade Rivera en las que este autor acoge fundamentalmente tres temas: la Violencia, los intelectuales y la identidad. La primera de estas temáticas, describe fenómenos como la afectación de la cultura política que fundamentalmente concibe a los integrantes del partido opositor como enemigos mortales a los que hay que aniquilar. Asimismo, con este tema el dramaturgo va a hablar de los destierros y desplazamientos del campo a los centros urbanos y el papel de los medios de comunicación, quienes, olvidando su carácter imparcial, toman partido por uno u otro grupo político. La segunda temática que se hace recurrente en la dramaturgia andradiana sitúa las contradicciones de los intelectuales artistas en la sociedad capitalista que los abruma, margina y somete, pero a la que también resisten poderosamente desde sus convicciones. De igual manera, en esta dramaturgia la identidad va a ser asumida como una forma de resistir la opresión causada por la Violencia o por la sociedad que obliga a acatar normas que atentan contra las convicciones personales.

 

A la luz de hermenéutica, la caracterización que se hace de las siete obras dramatúrgicas de Andrade Rivera permite concluir que esta poética se inscribe en los inicios de la representación épico-crítica porque en ella se acogen aspectos como la nueva forma de asumir la representación no desde la imitación de la realidad sino desde una reelaboración que permite el análisis crítico y la transformación de esa realidad. Fundamentalmente de esta característica se van a desprender otras como las temáticas relacionadas con los conflictos del país, la nueva relación entre el espectador y la representación, el didactismo, la escenografía en la que no prima lo decorativo, entre otras.

 

Así, hablar de la obra dramatúrgica de Gustavo Andrade Rivera, es encontrar en ella una preocupación consciente por hacer del teatro nacional de mitad del siglo XX, una nueva forma de representación.

Meneses Duarte, Cristian Steven.

Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana, 2013.

Departamento de Sociología.

Bajo la dirección de Janneth Aldana Cedeño.

Espace, temps et présence dans les dramaturgies du no man's land urbain. Vers un drame performatif?

​Montoya Restrepo, Olga Lucía.

Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, 2013.

Thèse de doctorat en Études théâtrales

Bajo la dirección de Joseph Danan

 

Resumen:

A través del análisis de ocho piezas de teatro que tienen lugar en no-man’s lands urbanos, las cuales hemos agrupado en lo que Jean-Pierre Sarrazac llama “la dramaturgia de no-man’s land”, se intenta mostrar cómo el drama moderno y contemporáneo continúa reinventándose a sí mismo mediante la adopción de otros modelos dramatúrgicos. Esta investigación se aplica especialmente a uno de estos modelos, el arte performativo. Como el filósofo Jacques Derrida afirmó en relación con la deconstrucción, los autores de estas obras también, “piensan sobre este pasaje más adelante, sobre el límite, sobre otro lugar-aquí-y-ahora” mediante la representación de un no-man’s land urbano. Este no-lugar heterotópico les permite reflexionar sobre la violencia del mundo, mientras experimentan nuevas formas del drama. Al situarse en esta línea, en esta frontera, “en otro-lugar de certezas”, estos autores dan curso a un drama que, después de la catástrofe de la segunda Guerra Mundial, de la caída de las utopías de izquierda y al crecimiento desbocado del capital, busca proponer preguntas, más que brindar respuestas en el sentido brechtiano. A través de la desconstrucción y mediante la adopción de elementos performativos en el tratamiento del tiempo, espacio y de la presencia del autor y del personaje, los autores Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo García, Tim Etchells, Víctor Viviescas y Carolina Vivas, ponen al espectador en relación con la escena, en contacto directo con la crueldad anunciada por Artaud, la cual no se limita a la imitación, sino que es también una experiencia presente: la del vacío.

 

Résumé (original):

A travers l’analyse de huit pièces de théâtre se déroulant dans des no man’s lands urbains et que nous réunissons sous ce que Jean-Pierre Sarrazac appelle «la dramaturgie du no man’s land», nous tentons de montrer comment le drame moderne et contemporain continue à se réinventer par l’adoption d’autres modèles dramaturgiques. Notre recherche s’applique surtout à l’un de ses modèles, celui de la performance. Comme le dit Jacques Derrida à propos de la déconstruction, pour les auteurs de ces pièces, il s’agit aussi par la représentation du no man’s land urbain de «penser à partir de ce passage, à la limite, à un ailleurs-ici». Ce non-lieu hétérotopique leur permet à la fois de penser la violence du monde tout en continuant à expérimenter de nouvelles formes du drame. En se situant sur cette ligne, sur cette frontière, «dans un ailleurs de certitudes», ces auteurs donnent cours à un drame qui, succédant à la catastrophe de la deuxième guerre mondiale, à la chute des utopies de gauche et à l’accroissement affolé du capital, ne cherche pas à donner de réponses à la manière du théâtre brechtien, mais à soulever des questions. Par cette déconstruction et par l’adoption des éléments performatifs dans le traitement du temps, de l’espace et de la présence de l’auteur et du personnage, ces auteurs, Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo Garcia, Tim Etchells, Victor Viviescas et Carolina Vivas, mettent le spectateur en relation directe avec la scène de cette cruauté annoncée par Artaud qui ne se limite pas à une imitation mais est aussi une expérience au présent : celle du vide.

 

Abstract:

By analyzing eight plays taking place in urban no-man’s-lands, which we have grouped under the heading of what Jean-Pierre Sarrazac calls “no-man’s-land dramaturgy,” we attempt to show how modern and contemporary drama continues to reinvent itself through the adoption of other dramaturgic models. Our research is applied especially to one of these models – performance art. As Jacques Derrida says in regards to deconstruction, the authors of these plays, too, «think about this passage onward, about a limit, about an elsewhere-here-and-now» by the representation of an urban no-man’s-land. This heterotopian non-place allows them to reflect on the violence of the world even as they experiment with new forms of drama. By going out on that edge, that border, out to «an elsewhere of certitudes» these authors set in motion a drama which, coming as it does after the catastrophe of the second world war, after the fall of leftist utopias, on the heels of madly spiraling capital, seeks to pose questions rather than provide answers in a Brechtian sense. Through this deconstruction and by the now adoption of performative elements in the treatment of time, space and presence of the author and of the character, authors Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo Garcia, Tim Etchells, Victor Viviescas and Carolina Vivas put the audience directly in touch with the cruelty foretold by Artaud, which isn’t limited to imitation but is also an experience of the present – that of the void.

Palmeri, Daniela.

Tesis de doctorado, Departamento de Filología Catalana

Universitat Autònoma de Barcelona, 2013

Bajo la dirección de Rossend Arquès Corominas

Resumen

La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia de Esquilo en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática; donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral, así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa. La primera parte de esta tesis propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003).

 

El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra parte, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico. La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual, como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros.

 

Abstract (Inglés)

This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus' trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of "intertextuality" and "rewriting" from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the "rewriting" of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the "re-writing" is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.

Velásquez Ángel, Ana Milena.

Université de la Sorbonne Nouvelle Paris III, 2013. 

Thèse de doctorat: Théâtre et arts du spectacle.  

Bajo la dirección de Christine Hamon-Siréjols.

 

Descargable.

 

El arte del clown en Colombia contemporánea: el renacimiento del clown, un actor social y politico y la risa del espectador una forma de resistencia y de libertad.

 

El arte del clown en Colombia contemporánea está en pleno desarrollo. Aunque está claro que la figura del clown no ha dejado nunca de existir en nuestra sociedad, a través de múltiples formas en la historia de la humanidad. Durante los últimos diez años podemos decir que estamos presenciando el renacimiento del clown en nuestro país. El arte del clown está permitiendo una revalorización del lenguaje cómico y poético de los artistas, en la sociedad colombiana actual, otorgándole al actor clown un rol social y político que le permite al espectador vivir una forma de resistencia y de liberación de la realidad violenta cotidiana.

El análisis de la perspectiva histórica del circo, como lenguaje artístico moderno, permite comprender cómo el arte del clown se constituye y se desarrolla durante los siglos XIX y XX, hasta convertirse en un arte autónomo, con su incursión en el teatro y en las escuelas de formación teatral.

 

Este estudio busca esclarecer los fundamentos teóricos del nacimiento y evolución del arte del clown en el circo moderno, en Europa y desde la época prehispánica en América Latina, hasta el mundo contemporáneo. La perspectiva histórica señala que mucho antes de la llegada del clown al circo moderno, en el siglo XVIII es posible identificar los personajes cómicos y clownescos en la cultura precolombina y durante el periodo de colonización. En la historia de las fiestas populares en América Latina, los personajes itinerantes y cómicos se desarrollaron en paralelo a las formas religiosas espectaculares de la ideología española. Los circos europeos y americanos llegaron a América en un contexto de resistencia y más tarde con la independencia empezaron a escribir su propia historia, la historia del circo en América Latina.

 

El modelo económico latinoamericano y la reciente industria cultural, sumada a la ausencia de escuelas de formación de circo, determinan la evolución del circo como una institución de carácter social que busca, a través de las disciplinas y las técnicas, formar jóvenes y niños en situación de violencia. Por otra parte, el teatro sufrirá divisiones entre la tradición clásica y la aparición de ideologías modernas sobre la formación del actor, hasta consolidarse el método artístico de la creación colectiva. El clown o payaso del circo tradicional se manifestará como un estereotipo con los dúos de payasos, que incursionan en la televisión, en la calle, en los restaurantes y como forma de sobrevivencia para los mendigos.

 

El presente estudio aborda los elementos semióticos de la figura de los nuevos clowns como artistas y arte autónomo, impulsados principalmente por la pedagogía del francés Jacques Lecoq, difundido por el mundo entero, con una incidencia importante en América Latina, donde se producirá el encuentro con el método de la creación colectiva, basado en la improvisación. Esta pedagogía llega a través de festivales internacionales de teatro, de talleres e intercambios de artistas y espectadores conocedores del panorama del clown a nivel mundial, renovando así el fenómeno de marginalización del arte del payaso por una transformación del estatus artístico y social del clown.

La práctica enraizada de la creación colectiva, el importante trabajo de los colectivos artísticos y la implicación del teatro en las transformaciones sociales y políticas del país, se reencuentran con el lenguaje de los nuevos clowns, para dar forma a creaciones clownescas colectivas, de carácter sólido y original.

 

El trabajo de investigación de esta tesis se concentra en la función que ejercen los clowns contemporáneos en el presente de la sociedad colombiana, resultante de un vasto periodo de crisis, marcado por los enfrentamientos y las oleadas sucesivas de violencia. El humor, característica particular de la cultura y forma incontestable de afrontar la realidad dolorosa, se encuentra con el arte del clown que, por la risa, permitirá recuperar el valor sagrado del chaman, el bobo, los bufones y locos de la historia. De esta manera, se reconoce la inclusión del lenguaje del clown en diversos contextos (hospitales, misiones humanitarias y procesos sociales), y se asevera que el espectador vive una forma de liberación gracias a la comunicación que establece con el clown a través de la risa.

 

En muchos ejemplos de grupos artísticos y de artistas clowns contemporáneos, este estudio analiza el aspecto político del clown en su acto de comunicación libre, que se instala en el convivio, concepto desarrollado por el teórico argentino Jorge Dubatti y en sus actos de resistencia, a partir del concepto de la poelitique del clown desarrollado por Jean Bernard Bonange, director de la compañía Bataclown y fundador del clownanálisis en Francia.

2012

 

Betancourt Galeano, Wendy.

Bajo la dirección de Jaume Colomer

Màster Oficial en Gestió Cultural, Facultat de Ciències Econòmiques i Empresarials Universitat de Barcelona. 2011/2012

Acceso al texto: http://diposit.ub.edu/dspace/handle/2445/23146

 

Resumen

Este plan de marketing para las salas independientes de teatro de Cali plantea que, en tres años de trabajo, será un proyecto exitoso que logra mover indicadores sociales como el posicionamiento de las artes escénicas como una práctica cultural atractiva para el bienestar y disfrute de los caleños; indicadores culturales con el fortalecimiento de los equipamientos y productos escénicos como parte de las industrias creativas de la ciudad; e indicadores económicos como el crecimiento de alianzas comerciales entre el sector cultural y las empresas privadas.

Ordóñez Guerrero, José Raúl.

Université de Montréal, 2012. 

Maître en Études Cinématographiques (Maestría en Estudios Cinematográficos).

 

Bajo la dirección de Silvestra Mariniello.

 

Este trabajo pretende desarrollar una reflexión sobre un posible ejercicio de intermedialidad: la adaptación para cine de la puesta en escena de El paso, del grupo de teatro La Candelaria de Bogotá, Colombia. Se reflexiona sobre las posibilidades expresivas de los dos lenguajes a partir de uso del espacio en el teatro y en el cine. Se contextualiza la pieza teatral tomando como punto de partida la fábula, luego se hace una reseña del momento histórico y sus antecedentes, y del movimiento del Nuevo Teatro Colombiano. La precariedad en la que viven los personajes de la historia influye también en la economía de la puesta en escena. A partir de esta característica se establece una relación con la realidad física que plantea Siegfried Kracauer. Luego se estudia el fuera de campo teatral y cinematográfico y su relación con la música. Finalmente se especula sobre las posibilidades de la versión para cine.

2011

 

Cárdenas Ángel, Carlos Francisco.

 

Universidade Federal de Santa Catarina, 2011. 

Programa de Pós-Graduação em Antropologia Social.

 

Bajo la dirección de Rafael José de Menezes Bastos.

 

Esta es una etnografía del colectivo Juventudes Titiriteras, JUTI, que agrupa varios grupos de teatro de marionetas y payasos, casi todos de la ciudad de Bogotá. Tiene como énfasis las dimensiones organizativas y estéticas del colectivo.  El objetivo es elucidar la noción primigenia de “lo político” que integra tanto los intentos de instaurar una nueva forma de organización de los artistas, como también se esfuerza en crear dramas con un componente político, sutil y complejo. De esta manera, el ejercicio etnográfico trae la posibilidad de invocar reflexiones en torno a la relación entre estética y política, y sus implicaciones concretas en el teatro de animación de objetos. 

 

Flórez Meza, Jaime Alfredo.

Magíster Programa de Estudios de la Cultura. Mención: Artes y Estudios Visuales.

Bogotá: Universidad Andina Simón Bolívar (Ecuador), 2011.

Bajo la tutoría de Alex Sclenker.

Gallego Hernández, Dubián Darío.

Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, 2011.

Magíster Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas

León Bohórquez, Diana Lucía.

Bogotá: Universidad Nacional de Colombia, 2011.

Magíster Interdisciplinar en Teatro y Artes Vivas

Luna Monart, Luz Elena.

Maestría en educación. Énfasis en educación popular y desarrollo comunitario

Cali: Universidad del Valle, 2011.

2010

 

Arcila, Jorge Tadeo.

University of Toronto, 2010.

Doctor of Philosophy, Department of Sociology and Equity Studies in Education.

Bajo la dirección de Roger I.  Simon.

Resumen:

Se trata de un estudio de investigación que explora el tipo de posibilidades pedagógicas que la memoria colectiva, mediada por la práctica del teatro en la educación, puede ofrecer en la recuperación de memoria. El estudio se centra en un drama-remembranza (proyecto artístico y pedagógico) que intenta vincular el aprendizaje histórico, significativo, con el recuerdo crítico, a través de la práctica teatral en el salón de clase. Al asumir que la escuela es un terreno dentro del cual es posible la memoria colectiva, esta investigación se ocupa de los procesos educativos que facilitan la comprensión de una “obra de memoria colectiva”.

La hipótesis es que a través de la obra de teatro, entendida como una práctica performativa, los estudiantes pueden explorar de manera productiva el trabajo de la memoria, su funcionamiento, implicaciones y estructuras. Además, mediante el manejo de los elementos propios que conforman el arte, se propone que los estudiantes también aprendan cómo funciona el teatro, sus mecanismos y dispositivos. Yo llamo a este enfoque "Práctica del Drama-Conmemorativo", ya que constituye una aplicación particular del teatro con el marco de la memoria y el recuerdo.

 

Esta tesis relata y analiza los episodios claves durante el periodo investigativo, que incluye un grupo de dieciséis estudiantes de décimo grado, de la clase de teatro, su profesor de teatro y yo mismo –artista dramático, investigador y educador–, quienes exploramos de manera colectiva los temas de la memoria histórica mediante el proceso de la práctica teatral.

 

La configuración inicial de esta exploración fue un proyecto que inició una “comunidad de memoria”, en una clase de teatro en el Colegio Normal-Distrital María Montessori, en Bogotá, Colombia. Los participantes-investigadores trabajaron a través de preguntas relacionadas con la memoria pública de la historia del afrodescendiente colombiano Manuel Saturio Valencia, uno de los últimos prisioneros en ser ejecutado por el Estado, antes de que la pena capital fuera abolida en Colombia en 1910. Como descendiente africano, la vida de Saturio y su subsiguiente ejecución permanece siendo desconocida en el país. Por lo tanto, este proyecto le apuesta a la recuperación de historias olvidadas, la construcción de una memoria pública más inclusiva y la formación de una conciencia histórica crítica.

 

Abstract:

This is a research study that explores the kind of pedagogical possibilities that collective remembrance mediated by practices of drama in education, might offer to the work of memory. Under study is a drama-remembrance (an artistic and pedagogical project) that attempts to link significant historical learning with critical remembrance through the classroom drama praxis. Assuming the school as a terrain within which a community of memory is possible, this research is concerned with educational processes that facilitate the understanding of the ‘work of collective memory’. The hypothesis is that through the work of drama framed as a performative practice of remembrance, students can productively explore the work of memory; its functioning, implications and structures. In addition, by manipulating the elements of the art form, it is proposed that students also learn how drama works, its mechanisms and devices. I call this approach “Drama-Remembrance Praxis”, as it constitutes a particular application of theatre to the memory and remembrance framework. This dissertation provides an account of and analyzes key episodes of the research journey of a group of 16 students in a Grade 10 drama class, their drama teacher and myself -a drama artist, researcher and educator- as we collectively explored issues of historical memory through practices of process drama. The setting for this exploration was a project to initiate a drama classroom-based "community of memory" with one class in the Normal-Distrital Maria Montessori School, in Bogotá, Colombia, South America. Participant-researchers worked through questions regarding the public remembrance of the story of the Colombian Afro-descendant Manuel Saturio Valencia, one of last prisoners to be executed by the State before capital punishment was eliminated from Colombia in 1910. As an Afro-descendant, the story of Saturio's life and subsequent execution remains little known in Colombia. Thus at stake in this project was the recovery of forgotten stories, the construction of a more inclusive public memory, and the formation of a critical historical consciousness.

Camacho López, Sandra.

Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, 2010.

Thèse de doctorat en Études théâtrales

Bajo la dirección de Catherine Naugrette.

Resumen:

Campo de la indagación. La dramaturgia colombiana contemporánea desde dos lineamientos: el encierro y la relación de este con la situación trágica de los personajes.

Desde esta perspectiva vemos un entrecruzamiento entre la concepción del espacio y de los cuerpos de los personajes en él, y la situación sin salida entre los personajes, como una eternización del conflicto trágico porque no encuentra resolución. Una metáfora de nuestra realidad y una indagación por el sentido de lo humano en nuestra sociedad, cuando los cuerpos se convierten en escenarios del horror.

Las preguntas que nos conducen hacia las conclusiones son: ¿a dónde va lo trágico cuando la tragedia ya no existe? ¿Para qué el horror sobre la escena (desde los cuerpos, las palabras y las imágenes) en un país que lo vive a diario en su ser cotidiano?

La dramaturgia colombiana contemporánea nos sitúa así delante de dos itinerarios que parecen superponerse: el itinerario de lo real y el itinerario de lo ficcional. Las obras de autor, de los últimos treinta años, nos conducen, por una parte, hacia el camino de lo real, porque con ellas encontramos representado el particular contexto sociopolítico colombiano. Por otra parte, nos permite entrever un paisaje ficcional en el que lo real se encuentra extrañado y simbolizado gracias a las actuales formas de escritura dramática. Formas diversas que se dibujan a través de las diecisiete piezas teatrales colombianas que se analizaron para esta investigación.

 

Primera premisa: El filósofo francés Jean-Marie Schaeffer nos instala de manera precisa sobre la relación existente entre el arte y la vida, en ese entrecruzamiento entre la realidad y la ficción: “De un lado no está la vida que llevamos y del otro las prácticas artísticas. Existe una relación indisoluble entre las dos (…), el arte es un desarrollo natural de la cultura humana desde el punto de vista de la evolución histórica a la vez que del desarrollo individual (…) La ficción permite comprender no solo una de las fuentes de las prácticas artísticas, desde el punto de vista de la historia cultural de la humanidad sino también el punto de vista de los individuos que todos nosotros somos” Estas afirmaciones de Jean-Marie Schaeffer nos conducen a una reflexión sobre la relación estrecha entre la creación artística y los acontecimientos humanos. Las primeras preguntas que surgen en este sentido son: ¿Cuáles son las formas que aparecen en las dramaturgias colombianas contemporáneas que permitirían comprender esa relación entre el arte y el hombre actor cultural de la sociedad de hoy? ¿Cómo se muestran esas nuevas formas de hoy con respecto a las que se observaron en otras épocas de la historia del teatro colombiano? ¿Cómo podrían redefinirse los parámetros estéticos teatrales clásicos respecto a los contemporáneos? Las preguntas planteadas anteriormente se responderán bajo la luz de la relación arte-contexto, realidad-ficción, teniendo como objeto de estudio algunas obras de diferentes autores de la dramaturgia contemporánea colombiana de los últimos treinta años y a partir de la hipótesis siguiente: La figura recurrente del encierro en la dramaturgia contemporánea colombiana es un modelo actual de la representación de lo trágico.

 

Segunda premisa: El hecho escénico que reúne las obras de nuestro corpus de investigación es la constante situación de encierro a la que son sometidos los personajes. Este encierro se presenta mediante diferentes elementos dramáticos, tales como diálogos y/o monólogos de los personajes, didascalias, objetos, el paso del tiempo, el universo sonoro y el tratamiento que se les da a los cuerpos de los personajes. Las características de los lugares y de las acciones sobre y desde los cuerpos en las situaciones que se desarrollan en las diferentes obras dramáticas. Son obras en las que la representación del mundo está enmarcada por el encarcelamiento en todos los sentidos, aunque los barrotes de las celdas en las que están confinados los personajes no se vean de manera literal. A partir de las didascalias y de los textos veremos la transformación de los lugares cotidianos en lugares de detención: salón cerrado, sótano oscuro, sobre los descombros (…), en medio de la balacera, en medio del paisaje, en una habitación, en un baño, en una casa, en un entrecruzamiento de caminos, en una sala, entre otros.

 

Objeto de estudio: la representación en la dramaturgia contemporánea de la situación social de nuestro país, del hombre en nuestra sociedad y de la confrontación que vive el ser contemporáneo con la muerte violenta. En contraste con un mundo que banaliza el dolor y la muerte. La violencia y el horror que la impregna.

 

Obras estudiadas: Cuarto frío (1998) de Tania Cárdenas. Ciudad limpia (2008) de Diana Chery. La sangre más transparente (1992) de Henry Díaz, La casa de Irene (1984) y Las burguesas de la calle menor (1986) de José Manuel Freidel. Un miércoles de ceniza (1994) de José Domingo Garzón. Otra de leche (2003-2005) de Carlos Enrique Lozano. Cada vez que ladran los perros (1997) y El vientre de la ballena (2005) de Fabio Rubiano. Rubiela roja (2004) de Victoria Valencia. Magnolia perdida en sueños (2005) y Pies hinchados (2002) de Ana María Vallejo. Gallina y el otro (1999) de Carolina Vivas. Veneno (1990), La técnica del hombre blanco (1998-2001), Ruleta rusa (1993) y Los adioses de José (2006) de Victor Viviescas.

 

Résumé (original):

Avec la dramaturgie colombienne des trente dernières années, nous nous trouvons devant deux itinéraires qui semblent s’entrecroiser, ou mieux, se superposer: le réel, qui correspond au contexte socio-politique colombien et le fictionnel, qui nous permet d’entrevoir un paysage de fiction singulier se dessiner à travers certaines pièces contemporaines colombiennes. Cet entrecroisement entre le réel et le fictionnel nous amène à la figure récurrente de l’enfermement. Nous assistons à la représentation d’un monde où les prisons n’ont plus de barreaux, où l’enfermement est présent au quotidien. Sur scène les personnages sont clôturés leurs espaces physiques et métaphoriques, intérieurs ou extérieurs, qui leurs interdisent toute possibilité d’issue et de conciliation entre les forces opposées qui maintiennent leurs conflits. L’enfermement conduit donc les personnages au sentiment tragique, à la perte du monde et de soi, c'est-à-dire que le tragique perd dans ces pièces le sens transcendant de l’humain. D’où les questions initiales dont nous sommes partis: comment l’enfermement dans un espace dramatique contemporain nous permet-il de retrouver le tragique? Et où va ce tragique, aujourd’hui, quand la tragédie n’existe plus? Cette forme actuelle du tragique ne pourrait-elle pas être une nouvelle façon de retrouver l’essence de la tragédie et le «sens de l’humain»? Ce sont ces interrogations qui donnent leurs lignes directrices à notre recherche.

 

Abstract:

With Colombian drama of the last thirty years, we face two routes intersect that appear, or better, overlap: the real, which corresponds to the socio-political context of Colombia and the fictional, which allows us to glimpse a singular landscape of fiction to emerge through some contemporary pieces Colombia. This interplay between reality and fiction brings us to the recurring figure of confinement. Thus we attend the performance of a world where prisons have no bars, where the confinement is daily. On stage the characters are enclosed in their physical and metaphorical, indoor or outdoor spaces, which prohibit any possibility of completion and reconciliation between the opposite forces that maintains their conflicts. Then, confinement leads characters to a tragic feeling, the loss of the world and oneself, that is to say that the tragic lost in these pieces, meaning transcending the human. Hence the initial questions which we started: how to confinement in a dramatic contemporary space enable us to find the tragic? And where will this tragic go, when the tragedy is over? The current form of tragedy could it not be a new way to recapture the essence of the tragedy and the «sense of humanity»? These are questions that give their guidance in our research.

Esquivel, Catalina.

Universidad Autónoma de Barcelona, 2010.

Treball de recerca de Estudios de Doctorado en Lengua y Literatura Catalana y Estudios Teatrales.

​ Giraldo Gallo, Camilo Andrés.

Bogotá: Pontificia Universidad Javeriana, 2010.

Comunicación social.

Bajo la dirección de Maryluz Vallejo Mejía.

Martínez Roche, Milagros.

Tesis de doctorado, Programa Graduado de Estudios Hispánicos

Universidad de Puerto Rico, 2010

Bajo la dirección de Luis Felipe Díaz

Resumen

La investigación La re-escritura de los clásicos españoles en tres piezas del teatro de autor del grupo La Candelaria examina la incorporación de la estrategia de la reescritura en tres piezas de autor del colectivo teatral La Candelaria. Con motivo de la búsqueda de la renovación de sus estrategias creativas, y como resultado de una serie de talleres formativos e investigativos en torno al tema de la identidad y su relación con el tema de la conquista de América, surge una trilogía de obras en las cuales el grupo de teatreros reacciona ante el tema estudiado. Las piezas resultantes difieren de las anteriores en que estas son creadas por el método de teatro de autor o creación individual, a diferencia de las previas, trabajadas bajo la creación colectiva. De la trilogía, este estudio incluye el análisis de las piezas El diálogo de rebusque (1981), de Santiago García Pinzón (1928) y La tras-escena (1984), de Fernando Peñuela (1948). Además, se analiza El Quijote (1999), versión de Santiago García, en la que años más tarde y con motivo de la conmemoración de los cuatrocientos años del original cervantino, nuevamente se emprende la reescritura como estrategia creativa. El uso de la estrategia de la reescritura es frecuentemente utilizada por el teatro latinoamericano para dar testimonio de la realidad social. Esta renovación textual comprende un amplio espectro de posibilidades escriturales que varían desde los que contienen meras alusiones a un hipotexto clásico hasta la re-escritura del texto que se transforma en hipertexto de su antecesor. En la mayoría de las ocasiones, por tanto, se produce una distorsión, una actualización del clásico o, incluso, su manejo como mera excusa para la creación de un nuevo escrito. Los textos seleccionados son representativos de la utilización de esta técnica como recurso para recontar la realidad latinoamericana desde una perspectiva que funde lo ideológico y lo artístico. Además, las obras estudiadas incluyen el uso de diversos recursos teóricos como el distanciamiento brechtiano y las cronotopías, la intertextualidad y el discurso carnavalesco desde la perspectiva bajtiniana. Su incorporación y pertinencia se analizan como parte de los postulados en torno a la forma distintiva de hacer teatro del grupo La Candelaria.

2009