Cenotafio de principios de siglo
(2000 - 2004)
Eddy Armando
Tesis
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Doctorado y posdoctorado
Organizadas por año, a partir de la más reciente, y en orden alfabético por autor y título.
2022
Nueva
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Ruiz Mendoza, Martín.
Violence, Conflict, and Historical Reconciliation in Cultural Production: Colombia in Transition
University of Michigan, Romance Languages and Literatures (Spanish),Doctor of Philosophy, 2022.
Abstract
This dissertation explores cultural narratives that challenge the traditional historiographic approach to violence in Colombia since the 1980s onwards. Utilizing a diverse theoretical toolkit (e.g., Rama; Rancière; Nietzsche; Benjamin), I reframe the way in which violence has been historicized by examining contemporary works of literature, art, performance, and film that shed light on the role of cultural production in national processes of historical reconstruction, reparation, and reconciliation. My analysis focuses on the symbolic mechanisms through which Colombian recent cultural production has reinterpreted the past vis-á-vis the prospect of a transitional project that is constantly evolving amidst the continuation of conflict. This approach illuminates the political challenges inherent in a project of national reconciliation whose evolution depends largely on the discursive articulations around a past that is far from being collectively recognized as overcome. Drawing from Andreas Huyssen’s (2003) critique of the “hypertrophy of memory” in contemporary societies, it is my contention that the cultural production analyzed in this dissertation resists that hypertrophy by aesthetically exploring the ethical function of memory and history in the configuration of non-hegemonic cultural narratives about a past that continues to shape the present. In the chapters that follow, I examine the ways in which Colombian recent cultural production critiques that hegemonic narrative by exploring the symbolic ramifications of violence beyond the armed conflict itself.
Chapter 1 examines literary fiction that destabilizes the tenets of the Latin American lettered elite amidst sociopolitical unrest, as attested in novels by Antonio Caballero and Fernando Vallejo such as Sin remedio and La virgen de los sicarios. Drawing from Ángel Rama’s critical approach to the “lettered city,” it is my contention that these novels move away from a sociological approach to violence to examine non-hegemonic ways of understanding the relationship between history and literary fiction.
Chapter 2 explores the political pop art of Beatriz González (e.g., Decoración de interiores; Auras anónimas) as an alternative mode of historical reconstruction in the aftermath of traumatic events, thus shedding light on how the forms of perception promoted by the aesthetic regime (Rancière 2004) can open horizons of historical elucidation that break away from the historiographical narrative to promote a collective memory based on empathy and affect.
Chapter 3 examines the performances of Mapa Teatro—an art and theater collective that challenges the hegemonic history of Colombia through on-stage refashioning of testimony and archival memory in plays like Los incontados and Testigo de las ruinas. As I intend to show in this chapter, the counter-cartographies of violence proposed by that collective create non-linear temporalities that reveal the presence of the past in the present. Chapter 4 explores recent cinema productions such as Laura Mora’s Matar a Jesús and César Augusto Acevedo’s La tierra y la sombra that expose structural violence in Colombia through an affect-oriented approach to filmmaking. I pay special attention to the articulation in Colombian recent film production of a diversity of visual grammars that share an ethical commitment to filming violence as a structural, unresolved phenomenon that necessarily concerns the present. Based on a genealogical analysis of these cultural narratives, I argue that contemporary Colombian cultural production has appropriated violence and conflict to defy hegemonic discourses on memory, historical truth, human rights, and transitional justice, thus reconfiguring the role of the arts in the articulation of new modalities of historical reconstruction.
Resumen
Esta disertación explora narrativas culturales que desafían el enfoque historiográfico tradicional de la violencia en Colombia desde la década de 1980 en adelante. Utilizando un conjunto de herramientas teóricas diversas (por ejemplo, Rama, Rancière, Nietzsche, Benjamin), replanteo la forma en que la violencia ha sido historiada examinando obras contemporáneas de literatura, arte, performance y cine que arrojan luz sobre el papel de la producción cultural en procesos nacionales de reconstrucción, reparación y reconciliación histórica. Mi análisis se centra en los mecanismos simbólicos a través de los cuales la producción cultural colombiana reciente ha reinterpretado el pasado frente a la perspectiva de un proyecto de transición que está en constante evolución en medio de la continuación del conflicto. Este enfoque ilumina los desafíos políticos inherentes a un proyecto de reconciliación nacional cuya evolución depende en gran medida de las articulaciones discursivas en torno a un pasado que está lejos de ser reconocido colectivamente como superado. A partir de la crítica de Andreas Huyssen (2003) a la “hipertrofia de la memoria” en las sociedades contemporáneas, sostengo que la producción cultural analizada en esta tesis resiste esa hipertrofia al explorar estéticamente la función ética de la memoria y de la historia en la configuración de narrativas culturales no-hegemónicas acerca de un pasado que continúa dándole forma al presente. En los capítulos que siguen, examino las formas en que la producción cultural colombiana reciente critica esa narrativa hegemónica al explorar las ramificaciones simbólicas de la violencia más allá del conflicto armado en sí.
El capítulo 1 examina la ficción literaria que desestabiliza los principios de la élite letrada latinoamericana en medio del malestar sociopolítico, como lo atestiguan novelas de Antonio Caballero y Fernando Vallejo como Sin remedio y La virgen de los sicarios. Partiendo del enfoque crítico de Ángel Rama sobre la “ciudad letrada”, sostengo que estas novelas se alejan de un enfoque sociológico de la violencia para examinar formas no hegemónicas de entender la relación entre la historia y la ficción literaria.
El capítulo 2 explora el arte pop político de Beatriz González (por ejemplo, Decoración de interiores; Auras anónimas) como un modo alternativo de reconstrucción histórica tras eventos traumáticos, arrojando así luz sobre cómo las formas de percepción promovidas por el régimen estético (Rancière 2004) puede abrir horizontes de elucidación histórica que rompan con la narrativa historiográfica para promover una memoria colectiva basada en la empatía y el afecto.
El capítulo 3 examina las actuaciones de Mapa Teatro, un colectivo de arte y teatro que desafía la historia hegemónica de Colombia a través de la remodelación escénica del testimonio y la memoria de archivo en obras como Los incontados y Testigo de las ruinas. Como pretendo mostrar en este capítulo, las contra cartografías de la violencia propuestas por ese colectivo crean temporalidades no lineales que revelan la presencia del pasado en el presente. El capítulo 4 explora producciones cinematográficas recientes como Matar a Jesús de Laura Mora y La tierra y la sombra de César Augusto Acevedo que exponen la violencia estructural en Colombia a través de un enfoque del cine orientado a los afectos. Presto especial atención a la articulación en la producción cinematográfica colombiana reciente de una diversidad de gramáticas visuales que comparten un compromiso ético de filmar la violencia como un fenómeno estructural, no resuelto y que necesariamente concierne al presente. A partir de un análisis genealógico de estas narrativas culturales, sostengo que la producción cultural colombiana contemporánea se ha apropiado de la violencia y el conflicto para desafiar los discursos hegemónicos sobre la memoria, la verdad histórica, los derechos humanos y la justicia transicional, reconfigurando así el papel de las artes en la articulación de nuevas modalidades de reconstrucción histórica.
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2019
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Gontovnik, Monica.
Another Way of Being: The Performative Practices of Contemporary Female Colombian Artists
Ohio University, College of Fine Arts, Doctor of Philosophy, Interdisciplinary Arts, 2019. Disertación.
Abstract
This is a feminist project that investigates the performative practices of contemporary female Colombian artists. It was guided by a main research question: Is there a particular kind of strength that comes from their specific situation as contemporary Colombian female artists? As such, this dissertation relies on fieldwork and critical theory in order to elucidate how such diverse individuals perform multiple art practices and what they do in and with their art practices. Two dozen women opened their doors, provided their time for video taped conversation and gave their archival material for the realization of this project. The main hypothesis this dissertation worked with relates to the existence of a possible double work or doubling of the work a woman artist executes in the need to undo what has been culturally assigned in order to then create her own images, ideas and concepts about being a woman in her society. Within the undoing and the doing, a liminal space allows the artists to realize how the cultural ideas of feminine essences evidence a conceptual void. Once the artistic work uncovers these supposed essences as false expectations, the strength that emanates from the vantage point of un-definition becomes the source of unbound creativity that produces artwork of political significance. The themes that emerged during fieldwork and writing show that in the same way these artists become others; multiplying possibilities of being while in their practices, they are able to influence their surroundings in minute, effective ways. Otherness is a central theme that has aided the understanding of the work these women realize. An important theoretical source is the seminal work of Simone de Beauvoir in The Second Sex, even though in five chapters the artistic work of nine artists are thoroughly discussed through multiple theories that traverse the text. Some of the theorists that have aided the present text are: Gloria Anzaldua, Rosi Braidoti, Judith Butler, Helene Cixous, Jacques Derrida, Bracha Ettinger, Michel Foucault, Luce Irigaray, Catherine Malabou, Laura Mulvey, Jean Luc Nancy, Peggy Phelan, Griselda Pollock, Jacques Ranciere, and Monique Wittig.
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Serban, Gabriella.
Título original
Université Toulouse Jean Jaurès, Thèse de doctorat en Études hispaniques et hispano-américaines, 2019.
Dirigida por Emmanuelle Garnier
http://dante.univ-tlse2.fr/id/eprint/9054
[Solo da acceso a las personas que pertenecen a la universidad. Formato para pedir una copia: http://dante.univtlse2.fr/cgi/request_doc?docid=96772]
Resumen
¿Cómo afecta a la representación de las masculinidades el cambio estético y político finisecular? Después de las diversas guerras que marcaron el siglo XX —las guerras mundiales, pero también el conflicto armado colombiano— los valores más marciales de la hombría están en declive. Esto puede verse en la relativa decadencia de la figura del héroe en los textos contemporáneos, mientras que la figura del tirano es más viva que nunca, de acuerdo con la era postmoderna. El reto de esta tesis es observar estos cambios y cuestionar sus implicaciones, desafíos y límites dentro de un teatro notablemente dinámico: el teatro colombiano. ¿De qué manera los textos pueden estimular "nuevas masculinidades" y/o reconstruir profundamente la estructura dramática y el sistema de género? Este trabajo propone, pues, explorar textos poco conocidos por el público francés y forjar herramientas conceptuales para captar las tendencias actuales sobre estos temas.
Résumé
Comment le tournant esthétique et politique de la fin du siècle affecte-t-il les représentations des masculinités ? Après les différentes guerres qui ont marqué le XXe siècle – les guerres mondiales, mais aussi le conflit armé colombien –, les valeurs les plus martiales de la virilité sont en déclin. Cela est visible dans une déliquescence de la figure du héros dans les textes contemporains, alors même que celle du tyran est plus vive que jamais, en accord avec l’ère postmoderne. L’enjeu de cette thèse est d’observer ces mutations et d’interroger leurs implications, enjeux et limites au sein d’un théâtre d’un dynamisme remarquable : le théâtre colombien. En quoi les textes sont-ils susceptibles d’impulser de « nouvelles masculinités » et/ou de refonder profondément la structure dramatique et le système de genre ? Ce travail propose ainsi d’explorer des textes méconnus du public français et de forger des outils conceptuels pour saisir les tendances actuelles sur ces questions.
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Wilson, Geoffrey Eugene.
Confronting violence: citizenship performance and urban social space in Bogotá, 1985-2015
Ohio State University. Department of Theatre, Doctor of Philosophy, 2019.
Dirigida por Ana Elena Puga.
Abstract
This dissertation combines performance analysis, cultural materialism, and theory on urban social space to develop a theory of citizenship performance. I analyze three performances that occurred in public spaces in Bogota, Colombia each of which responds to violence resulting from Colombia’s long civil war and challenges dominant notions of who belongs to the cultural community, as well as how the community behaves collectively. I argue that citizenship performances respond to violence within Colombian culture in three ways: first, they remap community behavior by modelling alternative modes of public moral comportment; second, they destabilize and recode the symbolic languages of the cultural community; third, they assert the cultural citizenship of marginalized communities by presencing their lives, struggles, and histories in public social space. The first chapter analyzes a performance project by Bogota’s alternative theatre company Mapa Teatro, that maps out the social histories of the former barrio Santa Ines, also known as El Cartucho.
Beginning in 2001, Mapa Teatro began work on a series of performances and installations which documented the demolition of the barrio, culminating in a multimedia production called Witness to the Ruins, a citizenship performance that staged the lives of the former residents of Santa Ines on the rubble of the barrio itself, before it was transformed and gentrified into the Parque Tercer Milenio (Third Millennium Park). Because Witness asserts the cultural citizenship of a marginalized community – a community literally removed from the center of the city – it exemplifies performance that re-positions citizenship within urban public space. While Mapa Teatro’s work re-maps the city and re-places the lives of marginalized citizens, the second chapter examines urban artist DjLu’s project Juegasiempre, (Always Play), which scrutinizes the ubiquity of the tools of war and dismantles complacent acceptance of violence in the urban landscape. DjLu and other urban artists engage in citizenship performances by (re)covering the visual landscape in ways that question the symbols and institutions that make up Bogotano culture, especially when painting in daylight while being observed by the public. My third chapter investigates the annual Dia del Trabajo (Workers’ Day) march on the central Carrera Séptima, which constitutes a citizenship performance shaped by ghosts of the violent past that illuminates the lives and struggles of working-class citizens and victims of institutional violence, staking a citizenship claim for marginalized communities.
My investigation of Mapa Teatro, DjLu, and the Workers’ Day march illuminates citizenship performance from three perspectives: through the work of artists who engage with and question the construction and destruction of urban social space, through the work of artists who alter the visual aesthetic of urban social space, and through performances shaped by the history and architecture of urban social space itself.
Resumen
Esta disertación combina el análisis de la actuación, el materialismo cultural y la teoría del espacio social urbano para desarrollar una teoría de la actuación ciudadana. Analizo tres actuaciones que ocurrieron en espacios públicos en Bogotá, Colombia, cada una de las cuales responde a la violencia resultante de la larga guerra civil de Colombia y desafía las nociones dominantes de quién pertenece a la comunidad cultural, así como la comunidad se comporta colectivamente. Sostengo que las actuaciones ciudadanas responden a la violencia dentro de la cultura colombiana de tres maneras: primero, reasignan el comportamiento comunitario al modelar modos alternativos de comportamiento moral público; segundo, desestabilizan y recodifican los lenguajes simbólicos de la comunidad cultural; tercero, afirman la ciudadanía cultural de las comunidades marginadas al presentar sus vidas, luchas e historias en el espacio social público. El primer capítulo analiza un proyecto de performance de la compañía de teatro alternativo de Bogotá Mapa Teatro, que traza las historias sociales del antiguo barrio Santa Inés, también conocido como El Cartucho.
A partir de 2001, Mapa Teatro comenzó a trabajar en una serie de representaciones e instalaciones que documentaron la demolición del barrio, culminando en una producción multimedia llamada Testigo de las Ruinas, un espectáculo de ciudadanía que escenificó la vida de los antiguos residentes de Santa Inés sobre los escombros del barrio mismo, antes de ser transformado y aburguesado en el Parque Tercer Milenio (Parque del Tercer Milenio). Debido a que Witness afirma la ciudadanía cultural de una comunidad marginada, una comunidad literalmente apartada del centro de la ciudad, ejemplifica el desempeño que reposiciona la ciudadanía dentro del espacio público urbano. Mientras que el trabajo de Mapa Teatro vuelve a mapear la ciudad y reubica las vidas de ciudadanos marginados, el segundo capítulo examina el proyecto Juegasiempre, (Siempre Play) del artista urbano DjLu, que analiza la ubicuidad de las herramientas de la guerra y desmantela la aceptación complaciente de la violencia en el paisaje urbano. DjLu y otros artistas urbanos se involucran en representaciones ciudadanas al (re) cubrir el paisaje visual de maneras que cuestionan los símbolos e instituciones que conforman la cultura bogotana, especialmente cuando pintan a la luz del día mientras son observados por el público.
Mi tercer capítulo investiga la marcha anual del Día del Trabajo en la céntrica Carrera Séptima, que constituye una actuación ciudadana moldeada por los fantasmas del pasado violento que ilumina las vidas y luchas de los ciudadanos de la clase trabajadora y las víctimas de la violencia institucional, hacer un reclamo de ciudadanía para las comunidades marginadas. Mi investigación sobre Mapa Teatro, DjLu y la marcha del Día de los Trabajadores ilumina la actuación ciudadana desde tres perspectivas: a través del trabajo de artistas que se involucran y cuestionan la construcción y destrucción del espacio social urbano, a través del trabajo de artistas que alteran la estética visual del espacio social urbano, y a través de actuaciones moldeadas por la historia y la arquitectura del propio espacio social urbano.
2018
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Jambrina, Nina.
Título original: Politique du jeu: les dispositifs ludiques dans la dramaturgie latino-américaine contemporaine (Fabio Rubiano, Rafael Spregelburd et Gabriel Calderón).
Toulouse II: Université Toulouse le Mirail, Tesis doctoral. Arts de la scène, 2018.
Résumé
Que peut-il y avoir à penser entre jeu et politique? A priori, peu de chose. Cette thèse questionne pourtant l’écart apparent entre le mode ludique et la perspective politique à l’heure où cette dernière est sommée de renouveler ses formes et ses moyens au théâtre dans le cadre d’un désaveu de l’activité politique plus général depuis la fin des années quatre-vingt. Dans un dialogue ouvert entre l’expérience latino-américaine et le reste de la scène internationale, il s’agit d’observer en quoi le modèle du jeu participe au travail de redéfinition d’un théâtre qui se voudrait politique aujourd’hui. D’une part, il permet d’appréhender les transformations du contexte théâtral latino-américain à la fin du XX° siècle qui voit son modèle de théâtre politique engagé remis en question. D’autre part, il devient un outil pour étudier les textes de Fabio Rubiano (Colombie, 1963) Rafael Spregelburd (Argentine, 1970) et Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), dans leur articulation spécifique au politique. Se dessine alors une politique du jeu, dans les pas de Jacques Rancière et de sa « politique de l’esthétique », qui dispose la perspective politique, en tant que critique du présent et désir de transformation, depuis un rapport au réel, une production de sens et une conception du spectateur qui lui sont propres. Entre jeu et politique, deux dynamiques majeures s’établissent au sein du corpus. Le jeu s’offre d’abord comme un moyen paradoxal de critique. Il dispose des hétérotopies ludiques qui mettent à distance le présent pour mieux faire la peinture dystopique de ses failles et ses manquements. Dans un second temps ou simultanément, il brouille cette première interprétation critique par des expérimentations formelles et fictionnelles qui mettent l’accent sur la créativité elle-même. Si la portée utopique de ces expérimentations varie selon les textes et les auteurs, toutes participent à formuler les prémices de transfigurations à venir.
Resumen
¿Cuáles son las relaciones que podemos establecer entre juego y política? Supuestamente muy pocas. Sin embargo, esta tesis pretende cuestionar la aparente distancia entre el modo lúdico y la perspectiva política, cuando ésta se ve obligada a reflexionar sobre sus formas en un contexto de sospecha general hacia la actividad política, desde el final de los años ochenta. En este sentido, este estudio establece un diálogo entre la experiencia teatral latinoamericana e internacional, para determinar como el modelo del juego ha participado en la redefinición del teatro político de esos años hasta la actualidad. Por una parte, el juego permite entender las transformaciones experimentadas por el contexto teatral latinoamericano al final del siglo XX frente a las alteraciones de su modelo dominante de teatro político comprometido. Por otra parte, permite estudiar los textos de Fabio Rubiano (Colombia, 1963) Rafael Spregelburd (Argentina, 1970) y Gabriel Calderón (Uruguay, 1982), en su articulación específica con lo político. De allí, en estas surge una política del juego, que se inscribe en la reflexión sobre la “política de la estética” de Jacques Rancière, que analiza la perspectiva política, como crítica hacia el presente y deseos de transformación, desde una relación con lo real, una producción de sentido y una concepción del espectador que le son propias. Entre juego y política, dos dinámicas principales se desarrollan en los textos. Primero, el juego se presenta como un medio paradójico para la crítica. Propone heteropías lúdicas que se distinguen de la realidad para poder pintar de manera distópica las fallas y los mancamientos del presente. Después o simultáneamente, el juego desordena la interpretación critica inicial a través de exploraciones ficcionales y formales que subrayan la creatividad en sí misma. La dimensión utópica de estas experimentaciones va cambiando según los textos y los autores pero todas contribuyen en constituir las premisas de unas transfiguraciones por venir.
Abstract
The Politics of Play: Playful Apparatuses in Contemporary Latin-American Playwriting (Fabio Rubiano, Rafael Spregelburd and Gabriel Calderón).
At first glance, there is not much to be said about the relation between play and politics. And yet, this thesis questions the gap between playful mode and political perspective at a time when the latter is being asked to renew its theatrical forms and means in a more general context of disavowal of the political practice since the end of the 1980s. As part of an open dialogue between the Latin-American experience and the rest of the international scene, this work focuses on the ways in which the play model participates in a redefinition of a theatre striving to be political. First, it allows for the apprehension of transformations within the Latin-American theatrical context of the end of the 20th Century when its model of a politically engaged theatre was being questioned. Furthermore, it becomes a tool to study texts by Fabio Rubiano (b. 1963, Colombia) Rafael Spregelburd (b. 1970, Argentina) and Gabriel Calderón (b. 1982, Uruguay), and their specific articulation to the political. A politics of play, following Jacques Rancière’s “politics of aesthetics”, is being charted here, and it allows for the political perspective to exist as a critique of the present and as a desire for transformation, based on its own relation to the real, production of meaning and idea of the viewer. Between politics and play, two main directions can be drawn out within this corpus. Play first functions as a paradoxical means for a critique. It creates playful heteropias which distance themselves from the present to better outline the dystopic map of its flaws and failures. Subsequently or simultaneously, it complicates this first critical interpretation with formal and fictional experimentations which put forth creativity itself. Although the utopic impact of these experimentations varies according to the text and its author, they still participate in formulating the premise of a transformation to come.
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Ortega Garzón, Sandra María.
De hombres y de bestias: figuras animales de lo político en el teatro colombiano contemporáneo
Barcelona: Universitat Autònoma de Barcelona, Doctorat en Llengua i Literatura Catalana, 2018; 352 p.
Lectura crítico interpretativa de lo animal y la animalidad en la dramaturgia colombiana de 1996 a 2015.
Análisis de las obras: Hienas beben brandy (2014), de Juan Camilo Ahumada; Bizarro (2010), de William Guevara; Como la lluvia en el lago (2013), de Erik Leyton; Otra de leche (2008) y Transmigración (Los lobos no van a la guerra) (2015), de Carlos Enrique Lozano; La cabeza de pato (2014), de Santiago Merchant; Manual de zoofilia para el obrero troskista (2013), de Juan David Pascuales; Cada vez que ladran los perros (1997), El vientre de la ballena (2015) y Labio de liebre (2015), de Fabio Rubiano; Si el río hablara (2013), del Teatro la Candelaria; Pernicia niquitao. Una verónica en la cara (2008) y De monstruos y martirio (2015), de Victoria Valencia; Coragips Sapiens (2015), de Felipe Vergara; Gallina y el otro (1999) y Donde se descomponen las colas de los burros (2014), de Carolina Vivas.
2017
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Estrada-Fuentes, María.
Performative reintegration: ex-combatant’s transitions toward civilian identities in Colombia
University of Warwick, Ph. D. School of Theatre, Performance and Cultural Policy Studies, 2017.
Dirección de Silvija Jestrovic y Rebecca Earle.
Resumen
Esta disertación construye un análisis exhaustivo de los mundos afectivos e ideológicos de los exguerrilleros y su transición hacia las identidades civiles en la Colombia contemporánea, a través del lente de un estudioso de teatro y estudios de performance. Es un estudio etnográfica e históricamente informado de cómo las prácticas e instituciones de atención secundaria contribuyen a la transformación contemporánea del conflicto. Va más allá de las representaciones familiares y binarias de víctimas y perpetradores, además de seguir un enfoque basado en la práctica para el diseño e implementación de políticas públicas que consideren un giro afectivo hacia la práctica corpórea como un elemento central de la reintegración. En el centro se encuentran los programas de reintegración diseñados para excombatientes como parte de los múltiples esfuerzos de Colombia para la construcción de la paz. Construido alrededor de estos dos pilares, este estudio presenta el proceso de reintegración como una práctica performativa donde las emociones y las transacciones humanas esclarecen la manera como los procesos sociales producen nuevos sujetos políticos.
Abstract
This dissertation builds a comprehensive analysis of the affective and ideological worlds of former guerrillas and their transitions towards civilian identities in contemporary Colombia, through the lens of a theatre and performance studies scholar. It is an ethnographically grounded and historically informed examination of how secondary care practices and institutions contribute to contemporary conflict transformation. It looks beyond familiar representations and binaries of victims and perpetrators, and follows a practice-based approach to the design and implementation of public policy that regards an affective turn towards embodied practice as a core element of reintegration. At its focus are reintegration programs tailored for former combatants held in line with Colombia’s multiple peace-building efforts. Built around these two pillars, this study presents the process of reintegration as a performative practice where human emotions and transactions illuminate how social processes produce new political subjects.
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Robles-Moreno, Irma Leticia.
Becoming Collective: Relational Cartographies of Creacion Colectiva in Latin America
New York University, Doctor of Philosophy, Department of Performance Studies, 2017. Disertación.
Abstract
This dissertation examines creacion colectiva's trajectories in Latin America from 1960 to the present through the work of three major theatre collectives: Teatro La Candelaria (Colombia, 1966), Grupo Cultural Yuyachkani (Peru, 1971), and Teatro Malayerba (Ecuador, 1979). Each of these groups has developed its own ethic and aesthetic lines of creacion colectiva - a creative process that involves three central characteristics: 1) a commitment to group life and practice; 2) an activist commitment to social politics; and 3) a performer's dramaturgy, whereby all the work originates in and through the actor's body. The artistic director, in each case, shapes the processes into a coherent aesthetic form, conducting groups that have worked together for decades. Each group's longevity stands as an example of persistence, providing a solid ground to investigate the political strategies enacted through theatre and performance. I argue that both the methods of composition within these groups, and the dynamic exchange of ideas, projects, and affects among them, reconfigure theatre and performance's ethics, aesthetics, and politics. Moreover, creacion colectiva challenges Western understadings of what a collective is, and builds alternative epistemologies through a continuous enactment of what a collective does. Accordingly, creacion colectiva's work challenges the distinction between the individual and the collective, and suggests that survival and resilience within the social sphere requires finding cohesive links that defy current neoliberal individualistic paradigms. Creacion colectiva negotiates a fluid space where the individual and the collective intersect, placing the performers' bodily experience in relation with other bodies, experiences, and social contexts. From here, creacion colectiva has an impact in the transmission of cultural memory in each group's respective country, and in the questioning of official accounts of recent history. It is in the encounter between performers and audiences that a shared memory is built: an action of memory in-the-making that happens through a relational doing. Moreover, this doing of creacion colectiva generates an epistemic location from which alternative knowledges, shared memories, and affective connections emerge. Epistemology in practice goes hand in hand with the mobilization of bodies in space: creacion colectiva groups are still able to find ways to join together, to learn from each other, and to let themselves be affected by these encounters. In the same way that the individual continually becomes collective, La Candelaria, Yuyachkani, and Malayerba constantly expand affective networks of solidarity and resistance, thus constantly enacting decolonial trajectories and remapping the Americas. The networked practices of creacion colectiva invite a critical analysis based on relational ties. Creacion colectiva groups have always reinvented their performance(s) in direct relation to the political crises in their countries. Originally inspired by the Marxist ideology of the 1960s that stressed collective responses to social problems, these groups have modeled a particular notion/practice of "the collective," which both allows and demands flexibility and openness. I argue that creacion colectiva groups perform a constant openness to change and connectivity that provides for a constant reconfiguration of their practices. Creacion colectiva emerges from the enactment of their creative processes - it is defined through its actions, thus constantly being reconfigured by its doing. In this sense, creacion colectiva's trajectories and connections offer an understanding of contemporary communitarian life that demands openness to affect and being affected. Creacion colectiva provides a methodology and epistemology for being in the world, aesthetically and politically: it is an invitation to perform the continuous doing of becoming collective.
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Vallejo de la Ossa, Ana María.
Escrituras del cuerpo en el teatro contemporáneo de América Latina
Título original: Écritures du corps dans le théâtre contemporain d'Amérique latine
París: Université de la Sorbonne Nouvelle, École doctorale Arts et médias. Études théâtrales. 2017.
Enlace en mantenimiento.
Résumé
Ce travail de recherche interroge les relations entre le corps et l’écriture dans le teatro d’Amérique latine des trente dernières années. L’étude d’un corpus constitué d’œuvres d’auteurs ainsi que d’écritures scéniques d’Argentine, Brésil, Colombie, Chili, Equateur, Mexique, Pérou et Venezuela montre que l’importance accordée au corps a permis une expansion de la notion d’écriture théâtrale. Le paysage théâtral latino-américain contemporain présente une grande diversité de formes; elles sont intimement liées aux conditions sociales, politiques et économiques des différents contextes, et doivent être comprises à la lumière d’une réflexion à la fois éthique et esthétique.
Resumen
Este trabajo de investigación interroga las relaciones entre el cuerpo y la escritura en el teatro latinoamericano de los últimos treinta años. El estudio de un corpus constituido por obras de autores, así como de escrituras escénicas de Argentina, Brasil, Colombia, Chile, Ecuador, México, Perú y Venezuela, muestra que la importancia concedida al cuerpo ha permitido una expansión de la noción de escritura teatral. El paisaje teatral de América Latina presenta una gran diversidad de formas, íntimamente ligadas a las condiciones sociales, políticas y económicas de los distintos contextos. Tales formas deben comprenderse a la luz de una reflexión a la vez ética y estética.
Abstract
Body writings in contemporary theatre in Latin America
This research examines the relationship between body and writing in the Latin American theatre of the last thirty years. The study of a corpus formed by plays and new theatrical writings from Argentine, Brazil, Colombia, Chile, Ecuador, Mexico, Peru and Venezuela shows that giving importance to the body has allowed for an expansion of the notion of theatrical writing. The theatrical landscape of Latin America shows a great diversity of forms intimately bound to the social, political and economical conditions of different contexts. Such forms must be understood in light of a reflection both ethical and aesthetic.
2016
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Betancourt Morales, Andrés.
Estudio genético de Un réquiem por el padre Las Casas y de Seis horas en la vida de Frank Kulak (La encrucijada) de Enrique Buenaventura.
Titulo original: Étude génétique de Un réquiem por el padre Las Casas et Seis horas en la vida de Frank Kulak (La encrucijada) d'Enrique Buenaventura.
Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, Thèse de doctorat en Études théâtrales, 2016.
Bajo la dirección de Pierre-Marc de Biasi.
Enlace en mantenimiento.
Resumen
Esta investigación se interesa en la génesis de dos obras de teatro del dramaturgo colombiano Enrique Buenaventura (1925-2003): Un réquiem por el padre Las Casas, 1963, y Seis horas en la vida de Frank Kulak o La Encrucijada, 1969. Ambas piezas se originan en documentos y sus procesos “de génesis” son diferentes y contrastantes. Por una parte, Un réquiem por el padre Las Casas se origina en la obra Historia de las Indias de Bartolomé de las Casas y en un análisis histórico sobre el padre Las Casas. Por otra parte, Seis horas en la vida de Frank Kulak se origina en un artículo de prensa sobre un antiguo miembro de la Marina estadounidense, quien hace explotar una bomba en Chicago para protestar contra la guerra de Vietman. Buenaventura lee el artículo en el momento en que él está desarrollando un proyecto teatral sobre la guerra de Vietnam, con el Teatro Experimental de Cali (TEC).
Siguiendo dos conceptos propuestos por la crítica genética (exogénesis y endogénesis), esta investigación analiza principalmente: 1) las particularidades de cada obra con respecto a la relación lectura-escritura, a las maneras como los documentos se integran y se transforman; 2) el papel del grupo teatral y, en particular, la influencia de la creación colectiva que estaba empezando a ocupar un lugar predominante en la escena, a finales de la década de 1960, de modo que los actores del TEC lograron un activo papel en el desarrollo de las obras teatrales.
Un réquiem por el padre Las Casas es escrita por Buenaventura de principio a fin, con un estilo de escritura que transforma y hace suyos los materiales de los cuales parte, y posteriormente la obra será dirigida en el escenario por el mismo Buenaventura. Por su parte, la génesis de Seis horas en la vida de Frank Kulak dio varios giros, en parte debido a la relación del autor con el grupo de teatro y, al mismo tiempo, a la actualidad de tema en ese momento: el interés de Buenaventura y el conjunto de materiales para la obra convergen de maneras diferentes, lo cual obliga a reformular el proyecto entero. Además, la importancia que adquiere el tema en dicho presente tiene sus consecuencias, lo cual produce alteraciones insospechadas. A través de este proceso, la investigación permite señalar un cambio en la identidad escritural de Buenaventura; propone una reinterpretación, en términos de exogenésis y endogénesis, del modelo dinámico de “génesis teatral” propuesto por Almuth Grésillon y Jean-Marie Thomasseau (2005).
Résumé
Dans cette recherche nous nous intéressons à la genèse de deux pièces du dramaturge colombien Enrique Buenaventura (1925-2003) : Un réquiem por el padre Las Casas (Un Requiem pour le père Las Casas, 1963) et Seis horas en la vida de Frank Kulak (ou La encrucijada – Le Croisement –, 1969). Partant toutes les deux de documents préexistants elles ont néanmoins des processus de genèse différents et contrastés. Ainsi, Un réquiem por el padre Las Casas part de l’Histoire des Indes de Bartolomé de Las Casas et des ouvrages historiographiques sur Las Casas et la conquête des Indes, et Seis horas en la vida de Frank Kulak, d’un article de presse de 1969 sur un ex-marine américain qui a posé une bombe à Chicago, que Buenaventura lit dans le contexte d’un projet sur la guerre du Viet Nam au Teatro Experimental de Cali (TEC). Suivant deux concepts proposés par la génétique des genres narratifs (l’exogenèse et l’endogenèse), nous nous sommes intéressés notamment 1) aux particularités de chaque pièce concernant la relation entre la lecture et l’écriture et les modalités de transformation et d’intégration des documents ; 2) au rôle du collectif dans la genèse, notamment l’influence de la création collective qui commençait à ouvrir à la fin des années 1960 un espace important pour que les comédiens du TEC participent activement à la mise en scène. Un réquiem por el padre Las Casas est écrite du début jusqu’à la fin par Buenaventura dans une écriture qui cherche à transformer et s’approprier les matériaux de départ et elle est ensuite mise en scène par Buenaventura lui-même avec le TEC. La genèse de Seis horas en la vida de Frank Kulak traverse de multiples vicissitudes en raison de ses contacts avec la troupe, d’une part, et de l’actualité du sujet, d’autre part : l’atelier du dramaturge et le plateau convergent de plusieurs manières reformulant le projet et la force du présent produit des bouleversements inattendus. Notre recherche nous permet de formuler un changement dans le statut du scripteur chez Buenaventura ainsi qu’une réinterprétation en termes d’exogenèse et d'endogenèse du modèle dynamique d’Almuth Grésillon et Jean-Marie Thomasseau (2005) pour la genèse théâtrale.
Abstract
This research takes interest in the genesis of two theater plays by Colombian playwright Enrique Buenaventura (1925 – 2003): A Requiem for father Las Casas, 1963, and Six hours in the life of Frank Kulak or The Crossroad, 1969. Both theater plays originate in previous documents and their genesis processes are different and contrasting. On the one hand, A Requiem for father Las Casas originates in History of the Indies by Bartolomé de las Casas and in historic analysis about Las Casas. On the other hand, Six hours in the life of Frank Kulak, originates in a press article from 1969 about a former American marine who explodes a bomb in Chicago in order to protest against the Vietnam war. This article is read by Buenaventura during the development of a theater project about the Vietnam war at Cali’s Teatro Experimental (TEC). Following two concepts suggested by genetic criticism (exogenesis and endogenesis), this research is concerned with 1) the particularities of each play with respect to the reading – writing relation and the documents’ transformation and integration modes; 2) the role of the Theater group in the origin and, in particular, the influence of collective creation that was beginning to create an important space, by the end of the 1960s, for the TEC actors to play an active role in the development of theater plays. A Requiem for father Las Casas is written by Buenaventura from start to end with a writing style trying to transform and make his own the materials from which it originates and later on is directed by Buenaventura himself. The genesis of Six hours in the life of Frank Kulak takes various twists, in part due to the relation to the theater group and, at the same time, due to the subject topicality: Buenaventura’s studio and the play set converge in different ways reformulating the whole project. Also, the importance of the present takes its toll to produce unsuspected alterations. Through this process this research allows to pinpoint a change in the writing identity of Buenaventura; it also proposes a reinterpretation, in terms of exogenesis and endogenesis, of the theater genesis dynamic model by Almuth Grésillon and Jean-Marie Thomasseau (2005).
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Mejía Bedoya, Manuel.
Forma y sentido en algunos textos teatrales de Enrique Buenaventura
Universitat de Valéncia, Programa de Doctorado Teatro y Literatura Española, Hispanoamericana y Portuguesa, 2016.
Bajo la dirección de Manuel Diago Moncholí.
Resumen
El propósito del presente trabajo de investigación doctoral, Forma y Sentido de algunos textos teatrales de Enrique Buenaventura (1925-2003), tiene como objetivo, analizar dichos textos, de uno de los más importantes dramaturgos colombianos del siglo XX, considerado como uno de los innovadores y fundador, entre otros importantes dramaturgos colombianos, del Movimiento Nuevo Teatro Colombiano, que inicia a partir de la segunda mitad del siglo XX hasta finales de la década de los años Ochenta en Colombia. Como metodología de análisis, se ha aplicado el sistema tradicional de las generaciones literarias, propuesta que parte de la Sociología, la Filosofía y la Estética Literaria, de Lucien Goldmann, con unas variaciones introducidas por Ángel Berenguer, de la Universidad de Alcalá. En la primera parte, se presenta un esbozo de dicho método, ampliado y complementado con otros planteamientos críticos acerca de otras escuelas de análisis literarios, como la Estética de la Recepción, la Semiótica Teatral, el Formalismo Ruso, resumidos por Hans Robert Jauss en su ya célebre lección de 1967, La historia de la literatura como provocación de la ciencia literaria. Así mismo, a partir de la idea del Teatro como Sistema de la Cultura, de Erika Fischer-Lichte y de Anne Ubersfeld y su Semiótica Teatral., visión complementada con algunos planteamientos de Patrice Pavis. En la segunda parte, se presenta un panorama general acerca de la historia política colombiana del siglo XX, de las Artes, como la Plástica, la Literatura y el Teatro de la época. Y en la tercera parte, se propone un esquema de análisis, que intenta redondear la mirada y el estudio crítico propuesto por Berenguer, con el cual se analiza un corpus de siete textos dramáticos de Buenaventura: A la diestra de Dios Padre y sus cinco versiones (1958-1984), Soldados (1968), La Maestra (1968), La Orgía (1968), La Denuncia (1973), El Ánima sola (1988) y Proyecto Piloto (1990).
En términos generales, dicha metodología plantea el estudio de aspectos generales sobre el autor a estudiar, tales como su biografía, que comprende los acontecimientos sociales y políticos, el ambiente social, las tendencias artísticas de la época, así como también las literarias y, por supuesto, el teatro de su tiempo. Se amplía estas consideraciones con los objetivos sociales y políticos del autor, su propuesta estética y teatral, así como también sus logros.
El análisis de las obras incluye aspectos como los datos y antecedentes, la síntesis argumental, el conflicto principal y/o los secundarios, el tema, el/los personajes principales, el espacio, el tiempo, el movimiento y la progresión dramática, la estructura ideológica.
Abstract
The purpose of this doctoral research, Forma y Sentido de algunos textos teatrales de Enrique Buenaventura (1925-2003), aims to analyse those texts of one of the most important colombian playwright in the XX century, who is considered as one of the innovators and founders of Nuevo Teatro Colombiano movement, among some other important colombian playwrights; such movement starts from the second half of the XX century until the end of the decade of the eighties in Colombia. It has been applied the traditional system of literary generations as methodology of analysis, this proposal starts from the Solciology, Philosophy and literary aesthetics of Lucien Goldmann, with some changes introduced by Angel Berenguer, from the Univerniversity of Alcala. In the first part, it is presented an outline of this method, expanded and supplemented by other critical statements about other schools of literary analysis, as the aesthetics of reception, the Theatrical Semiotics, Russian Formalism, summarized by Hans Robert Jauss in his now well-known lesson of 1967, La historia de la literatura como provocación de la ciencia literaria. Likewise, from the idea of theater as a Cultural System, by Erika Fischer-Lichte and Anne Ubersfeld, and their Theatre Semiotics, this vision is supplemented with some approaches from Patrice Pavis. In the second part, it is presented an overview about the colombian political history of the art in the XX century, such as visual arts, literature and theater of that period. In the third part, it is proposed a analysis scheme, triying to round the view and critical study suggested by Berenguer, with which it is analyzed a corpus of seven dramatics texts by Buenaventura: A la diestra de Dios Padre y sus cinco versiones (1958-1984), Soldados (1968), La Maestra (1968), La Orgía (1968), La Denuncia (1973), El Ánima sola (1988) y Proyecto Piloto (1990).
Overall, this methodology presents the studies of general aspects about the author to be studied, such as his biography, the artistic trends of the time, as well as literary trends and, of course, the theater of his time. These considerations are expanded with social and political objectives of the author, his aesthetics and theatrical proposal, as well as his achievements.
The analysis of the works includes things like the data and the background, the plot summary, the main and/or secondary conflicts, the theme, the main characters, the setting, the time, the movement and the dramatic progression, the ideological structures.
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Rodríguez Moreno, Laissa Melina.
University of Wisconsin-Madison, Doctor of Philosophy in Spanish, 2016.
Bajo la dirección de Paola Hernández.
Abstract
This dissertation, “Metaphors of Fratricide on Stage: Authoritarianism and Internal Violence at the End of the 20th Century in Argentina, Peru, and Colombia” analyzes theater, performative practices, visual material, and political documents to study two cases of civil war (Peru and Colombia) and one of a ‘myth’ of war that fueled strong internal repression (“Argentine Revolution” and “National Reorganization Process”). In each country, fraternity was a way to conceive the national community, and it reflected the society’s ideal of justice, equality, and solidarity – an ideal that brought together a diverse group of citizens willing to build a community. However, the general public’s approval of or indifference to the extreme violence in these nations during the last part of the 20th century brought me to wonder about the imaginaries that nations create. How did Colombia, Peru, and Argentina manage to keep an imaginary that integrated citizens in the community while they simultaneously drew a line to separate the internal enemy? How did ordinary people switch from the ideal of fraternity to a mindset that reinforced the necessity of violence against their peers? In my dissertation, I propose that the paradigm of fraternity was challenged through new metaphors that facilitated the construction of an enemy out of one’s own fellow citizens. I focus my research on three main metaphorical concepts, each belonging to a country where it was profusely used during these highly militarized periods: the “disease” of the “social body” in Argentina; metaphors related to sacrifice and the “blood quota” to pay for a better world in Peru; and metaphors related to animality in Colombia. These metaphors were imposed into the social imaginary and facilitated the use of violence and the denial of the rights and life of certain citizens. Their integration into mechanisms of spectacle promoted emotional and ideological responses, and their association with daily notions eased their assimilation into the nation’s reality. As a result, the army in Argentina, Shining Path in Peru, and paramilitary groups in Colombia were able to establish a link between these metaphors and a disciplinary system that enabled, paradoxically, the institution of a hierarchical order –patriarchy rather than the equality promoted by fraternity. By those means, they reinforced a new way to conceive reality and a change in the ethical codes.
Resumen
Esta disertación, “Metáforas del fratricidio en escena: autoritarismo y violencia interna a fines del siglo XX en Argentina, Perú y Colombia”, analiza obras de teatro, prácticas performativas, material visual y documentos políticos, con el objeto de estudiar dos casos de guerra civil: uno, en Perú y Colombia, y un "mito" de guerra en Argentina, que alimentó una fuerte represión interna durante los periodos conocidos como la "Revolución Argentina" y el "Proceso de Reorganización Nacional". En cada país, la fraternidad era una manera de concebir la comunidad nacional y reflejaba el ideal de justicia, igualdad y solidaridad de la sociedad; un ideal que convocaba a un grupo diverso de ciudadanos dispuestos a construir país. Sin embargo, la aprobación o indiferencia frente a la violencia extrema, me hizo preguntar sobre los imaginarios creados en esas naciones. ¿Cómo lograron Colombia, Perú y Argentina mantener en la comunidad un imaginario de integración ciudadana, mientras, simultáneamente, trazaban una línea para separar a un enemigo interno?; ¿Cómo se cambió el ideal de fraternidad por una mentalidad que reforzó la necesidad de violencia entre compatriotas? En mi disertación propongo que, a través del uso de nuevas metáforas, se disputó el paradigma de la fraternidad y se facilitó la construcción de un enemigo surgido entre los propios conciudadanos.
Mi investigación se centra en tres conceptos metafóricos, cada uno usado profusamente en un país específico durante estos períodos altamente militarizados: la "enfermedad" del "cuerpo social" en Argentina; metáforas relacionadas con el sacrificio y la “cuota de sangre” para pagar por un mundo mejor en Perú; y metáforas relacionadas con la animalidad en Colombia. Estas metáforas se impusieron en el imaginario social y facilitaron el uso de la violencia, la negación de los derechos y el menosprecio por la vida de ciertos ciudadanos. Se integraron a mecanismos de espectáculo, lo cual promovió respuestas emocionales e ideológicas, y permitieron la asociación de actos de violencia con nociones diarias, hecho que favoreció su asimilación. Como resultado, el ejército en Argentina, Sendero Luminoso en Perú y los grupos paramilitares en Colombia pudieron establecer un vínculo entre estas metáforas y un sistema disciplinario que permitió, paradójicamente, instituir un orden jerárquico: el patriarcado, en lugar de la igualdad promovida por la fraternidad. De esa manera, se reforzó una nueva forma de concebir la realidad y un cambio en los códigos éticos.
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Sánchez de Sousa, Ana.
El oprimido sobre las tablas o la (R)evolución de la creación colectiva en Colombia y Brasil
Universidad de Salamanca, Departamento de Literatura Española e Hispanoamericana, 2016.
Resumen
Revisitar un fenómeno artístico tan vital y orgánico como el Nuevo Teatro latinoamericano, a la luz de la teoría comparatista, implica ineludiblemente entregarse a la diligente tarea de examinar experimentos teatrales muy heterogéneos y, a la vez, ahondar en áreas de conceptualización teórica que se han redefinido de forma constante. Nuestra inclinación hacia este sendero de los estudios literarios nace a raíz de una investigación realizada en 2011, en el ámbito del programa de Doctorado del Departamento de Literatura española e hispanoamericana de la Universidad de Salamanca, sobre las relaciones dialógicas presentes en los métodos de creación colectiva de los dramaturgos Augusto Boal y Enrique Buenaventura. En su momento, fundamentamos nuestro interés en el extraordinario liderazgo asumido por ambos en la reorientación de los movimientos teatrales en Brasil y en Colombia y en la introducción de un nuevo paradigma de producción teatral en la segunda mitad del siglo XX.
En efecto, Augusto Boal lidera desde el Teatro Arena una labor de renovación del espacio escénico brasileño mediante la formulación de la poética teatral del Teatro del Oprimido, a la vez que Enrique Buenaventura impulsa la creación de una dramaturgia nacional empleando un innovador método de producción colectiva, conceptualmente desarrollado en el Teatro Experimental de Cali. En ese sentido, teniendo en cuenta que sus líneas de trabajo se implicaron en un contexto literario y cultural común, consideramos de gran relevancia llevar a cabo un estudio que relacionara sus trayectorias literarias y, particularmente, sus propuestas dramatúrgicas. Para este cometido, apoyamos nuestro marco teórico en los postulados de la literatura comparada, en concreto, en el conjunto de estudios llevados a cabo por Julia Kristeva (1967, 1978), Mikhail Bakhtine (1984) y Claudio Guillén (1971, 1985, 1989) en torno a las relaciones literarias de influencia o de intertextualidad para establecer un claro criterio de aproximación a las obras de Boal y Buenaventura. Partiendo de este primer acercamiento, con la presente tesis asumimos el reto de consolidar nuestra propuesta de lectura comparada, apoyándonos en un corpus de análisis que va más allá de la obra ensayística de los autores y se detiene en algunas de sus producciones dramáticas que han logrado proyectar internacionalmente la identidad cultural latinoamericana. Aunque somos conscientes del riesgo que entraña adentrarse en el estudio de dos figuras de tal envergadura, pues constituyen verdaderas eminencias en las respectivas culturas brasileña y colombiana, nos sigue moviendo el interés de ampliar y matizar los resultados de semejante cotejo. Este ha sido el punto de arranque de nuestra investigación que constituye, en última instancia, una aportación francamente modesta en el ámbito de los estudios de teatro latinoamericano. Al adentrarnos en el estado de la cuestión, hemos comprobado que, pese a la extensa bibliografía crítica dedicada a las obras de los dramaturgos, los estudios no profundizan, de forma holística y definitiva, en el encuentro dialógico que se puede establecer entre sus trayectorias artísticas.
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Solano Solano, María Gabriela.
Madison: University of Wisconsin, Doctor of philosophy (spanish), 2016.
Resumen
En esta disertación sostengo que el teatro y la actuación latinoamericanos exploran las violaciones de los derechos humanos de la última parte del siglo XX al escenificar y cuestionar el papel del cuerpo ausente. Investigo tres grupos de teatro y performance (Yuyachkani en Perú, Teatroxlaidentidad en Argentina y Mapa Teatro en Colombia) que se apropiaron de manera proactiva del teatro documental de la década de 1960 para difundir la memoria de las comunidades erradicadas, así como miles de personas que fueron perseguidas, arrestadas y desaparecidas. Este teatro documental combina eventos históricos ocurridos en Argentina (1976-1983), Perú (1992-2000) y Colombia (1960-presente). En América Latina, a principios del siglo XXI, el teatro documental busca un enfoque interdisciplinario que reúna teorías del trabajo social, la psicología, el rendimiento y la crítica cultural. A través del estudio de las teorías de la psicología, incluido el concepto de "intimidad" de Lauren Berlant y el proceso de "transmisión del afecto" de Teresa Brennan, afirmo que estos artistas crean momentos de intimidad que no solo abogan por la transmisión del afecto entre todos los involucrados (víctimas, actores, directores y espectadores), pero eso también amplía la noción de lo que puede hacer el teatro documental del siglo XX. Desde sus orígenes en la década de 1960, observo que el proceso artístico del teatro documental en estos tres grupos teatrales difiere en la forma en que los actores, testigos y espectadores viven los testimonios y documentos oficiales. Como resultado, la puesta en escena del cuerpo ausente, las víctimas desaparecidas y las comunidades erradicadas, tiene lugar cuando la emoción de todos los involucrados, transmitida a través de momentos efectivos de intimidad, cambia sus cuerpos biológica y físicamente. Al final de mi argumento, demuestro que el teatro documental del siglo XX rompe los límites entre las víctimas, los actores y el público para transformar el escenario en un espacio vital para la memoria. El compromiso social de estos grupos teatrales con el Teatro Documental ha sido el detonante de los cambios sociales en América Latina en la actualidad. Este es el motivo de esta disertación. En el caso de Yuyachkani, muchas víctimas superaron su miedo a testificar. Mientras tanto, Teatroxlaidentidad tuvo la oportunidad de identificar a unos cien niños incautados durante la Guerra Sucia en Argentina.
Abstract
In this dissertation I argue that Latin American Theatre and Performance explore human rights violations of the latter part of the XX Century by staging and questioning the role of the absent body. I investigate three theatre and performance groups (Yuyachkani in Peru, Teatroxlaidentidad in Argentina and Mapa Teatro in Colombia) that proactively appropriate Documentary Theatre from the 1960s in order to disseminate the memory of eradicated communities as well as thousands of people who were persecuted, arrested and disappeared. This Documentary Theatre meshes historical events occurred in Argentina (1976-1983), Peru (1992-2000) and Colombia (1960-present). In Latin America, at the beginning of the 21st Century, Documentary Theatre calls for an interdisciplinary approach that brings together theories from social work, psychology, performance and cultural criticism. Through the study of psychology theories, including Lauren Berlant's concept of 'intimacy' and Teresa Brennan's process of 'transmission of affect, ' I contend that these artists create moments of intimacy that not only advocate the transmission of affect among all those involved (victims, actors, directors, and spectators), but that also expand the notion of what Documentary Theatre of the XX Century can do. From its origins in the 1960s, I remark that the artistic process of Documentary Theatre in these three theatrical groups differs in the way actors, witnesses and spectators are living the testimonies and official documents. As a result, the staging of the absent body--the disappeared victims and eradicated communities -- takes place when the emotion of all those involved, transmitted via effective moments of intimacy, change their bodies biologically and physically. At the end of my argument, I demonstrate that Documentary Theatre of the XX Century breaks the boundaries between victims, actors and the audience to transform the stage into a living space for memory. The social commitment by these theatrical groups with the Documentary Theatre has been the trigger for social changes in Latin America today. This is the motive of this dissertation. In the case of Yuyachkani, many victims overcame their fear of testifying. Meanwhile, Teatroxlaidentidad had the opportunity to identify around one hundred children seized during the Dirty War in Argentina.
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Torres de Serrano, Yamile.
Tesis doctoral, Departamento de Didáctica de la Expresión Plástica.
Bajo la dirección de Carmen Alcaide Spirito.
Universidad Complutense de Madrid, 2016.
Resumen
Esta tesis titulada La intervención arteterapéutica en el ámbito educativo: es una herramienta para la solución de conflictos parte de la hipótesis de que La arteterapia es una herramienta válida para resolver los conflictos de violencia escolar en los centros educativos de Floridablanca (Santander del Sur, Colombia), y para comprobarla, se realiza la apropiación de algunas de las diferentes manifestaciones artísticas (música, danza, literatura, teatro y artes plásticas y visuales) como una herramienta pedagógica para bajar los índices de violencia y agresividad en el aula de clase, indagando en cómo esto propicia que los estudiantes mejoren su comportamiento. Por ello, al comenzar la tesis, nos planteamos el siguiente objetivo principal: Estudiar los hechos reales de una comunidad educativa con altos índices de violencia, verificar su transformación a través de la aplicación de herramientas terapéuticas y creativas para comprobar la mejora de la calidad de vida por medio de las experiencias humanas y el trabajo en equipo. Y para alcanzar el mismo, elaboramos tres objetivos específicos: 1. Investigar que experiencias artísticas realizadas en terapia se pueden implementar con menores en situaciones de riesgo y atención a la diversidad. 2. Determinar que herramientas y recursos pueden facilitar el trabajo pedagógico con estudiantes en dificultades, violencia y conflicto para un proceso de transformación a nivel individual y grupal. 3. Verificar si es posible aplicar una metodología innovadora que afiance procesos formativos de convivencia pacífica y cultura ciudadana.
Abstract
This thesis entitled The art therapy intervention in education: a tool for conflict resolution part of the hypothesis that art therapy is a valid tool to reduce conflicts of school violence in schools in Floridablanca (Santander del Sur, Colombia) and to check it, grabbing some of the different art forms (music, dance, literature, theater and visual arts) as a pedagogical tool to lower levels of violence and aggression in the classroom is done, investigating as this encourages students to improve their behavior. Therefore, when starting the thesis, we propose the following main objective: Study the facts of an educational community with high rates of violence, verify its transformation through the application of therapeutic and creative tools to ensure improved quality of life through human experience and teamwork. And to achieve the same, we developed three specific objectives: 1. Implement artistic experiences in therapy with children at risk and attention to diversity. 2. Find tools and resources that facilitate the pedagogical work with students in difficulty, violence and conflict transformation for individual and group level. 3. Apply an innovative methodology that strengthens learning processes of peaceful coexistence and civic culture.
2015
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Vera Guerrero, Manuela Elisa.
La estructura de sentimiento y la dramatología aplicadas al teatro colombiano en el umbral del siglo XXI (Acercamiento a diez casos en cinco dramaturgos) [1] [2]
Universidad Complutense de Madrid, Departamento de Filología española II, 2015.
Bajo la dirección de José Luis García Barrientos.
Resumen
Partiendo del estudio de Se necesita gente con deseos de progresar y El mediumuerto: tragicomedia milenarista, escritas por José Domingo Garzón; Club suicida busca… parodia de la fatalidad en un acto y Purgatorio express. Parábola de la bondad en nueve cuadros y un epílogo, de Pedro Miguel Rozo; Mosca y Sara dice, de Fabio Rubiano; Pasajeras y Magnolia perdida en sueños, de Ana María Vallejo; y Segundos y Gallina y el otro de Carolina Vivas, nos adentramos en un análisis riguroso, en el que se indagan las formas dramáticas, para descubrir la estructura de sentimiento, noción acuñada por Raymond Williams y principal categoría de este trabajo, que podría caracterizar al teatro colombiano en el umbral del siglo XXI. La idea es determinar qué elementos subyacen y configuran al teatro colombiano de las últimas décadas.
La metodología aplicada es un tanto novedosa, se trata de la dramatología, desde la perspectiva del teórico español José Luis García Barrientos, quién además ejerce como tutor de este estudio. Este instrumento permite referirse a las diez obras que constituyen el corpus de este trabajo desde una terminología precisa. Además, se consolida como un marco teórico que tiene por prioridad hablar de lo dramático, desde aquello que lo diferencia de otras formas representativas.
2014
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Abderhalden Cortés, Rolf.
Mapamundi: Plurivers poïétique (Mapa Teatro 1984-2014)
Saint Denis: Université Paris VIII, École doctorale EDESTA: Esthétique, Sciences et Technologie des Arts, 2014.
Résumé
Mapamundi (du latin mappa mundi, «carte du monde», représentation de toute la superficie de la planète.) La Mapamundi, que je présente dans le cadre de cette thèse doctorale, est un essai de configuration poétique de l’étendue du «plurivers» artistique de Mapa Teatro pendant ses trente ans d’existence (1984-2014). Elle est imprimée sur papier et en même temps sur ma peau, inscrite dans la mémoire du corps. Trace physique d’une histoire, marque géographique d’un affect : à la fois pensée du corps et corps d’une pensée. Les cartes qui représentent la superficie de la Terre utilisent une « projection », une manière de traduire la superficie réelle tridimensionnelle d’un géoïde en un dessin bidimensionnel. Une Mapamundi « projetée » en une forme sensible, réflexive, pluriaxiale, qui se distinguerait d’un type d’analyse taxonomique purement « extérieur », mais aussi de tout catalogue intimiste, exclusivement « intérieur », et même de toute archive supposée intégrale, tel est le défi que je tenterai à présent dans la forme Atlas, « projection » conceptuelle et affective, théorique et poétique, de la Mapamundi de Mapa Teatro. L’Atlas est une forme visuelle du savoir, une forme savante du voir (Didi-Huberman). Une cartographie autant chronographique que chronogénétique, parce qu’elle trace un devenir, parce qu’elle ouvre des possibles. La carte (un espace, un dispositif), le témoin (un point de vue, une subjectivité) et le triptyque (un temps, un événement) constituent les trois axes de projection et d’analyse réflexive choisis pour la configuration de cet Atlas : carte (chapitre I), témoin (chapitre II) et triptyque (chapitre III) réunissent et problématisent un ensemble de figures qui traversent la cartographie poïétique de Mapa Teatro depuis sa création jusqu’à ce jour. Une forme de pensée-montage.
Abstract
Mapamundi : Poïétic plurivers : (Mapa Teatro 1984-2014)
Mapamundi (from latin mappa mundi, « world’s map» a representation (a map) of the entire surface of the planet). The Mapamundi, that I here present, under the frame of this doctoral research, is an attempt to draw a poetical configuration of Mapa Teatro’s artistic «plurivers», built up during its thirty years of existence (1984-2014). It is printed on paper, and at the same time on my skin, engraved in my body’s memory. Physical trace of a history, geographical affectionate token: both the thinking of a body and a body of thought. Maps that represent the surface of the earth make use of a « projection », as a way of translating the real three-dimensional surface of a geoids into a two-dimensional basin. This is a «projected» Mapamundi in a sensible, reflective, pluriaxial form, that distinguishes itself not only from a taxonomic analysis, but also from any type of intimate catalogue, exclusively interior, or of any kind of a presumably overall archive. This is the challenge that I have risked in this Atlas form, a conceptual and affective « projection », both theoretical and poetic, of Mapa Teatro’s Mapamundi. An Atlas is a visual form of knowledge, a savant form of seeing (Didi-Huberman).A cartography in as much as it is both chronographic and chronogenetic, because it draws a becoming, because it opens to the possibles. The map (a space, a device), the witness ( a point of view, a subjectivity ) and the triptych ( a time, an event ) have been the three axis of projection and of reflective analysis chosen to shape this Atlas. Map (Chapter I), Witness (Chapter II) and Tryptique (Chapter III) gather and problematize a group of figures that traverse Mapa Teatro’s since its creation to our days. A form of montage-thought.
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Calderón Bentin, Sebastián.
Baroque states: television and theatricality in contemporary Latin America
Stanford University, Ph. D. Department of Theater and Performance Studies, 2014
Dirección de Branislav Jakovljevic.
Resumen
Esta disertación analiza cuatro eventos mediáticos en la política latinoamericana contemporánea: (1) el colapso de la administración de Alberto Fujimori en Perú luego del escándalo de vladivideos; (2) el papel de la televisión en el fallido golpe de estado contra Hugo Chávez; (3) la grabación y transmisión del rescate militar de Ingrid Betancourt en Colombia como parte de Operación Jaque, y (4) en Guatemala, el video testimonio póstumo del abogado asesinado Rodrigo Rosenberg. A través de estos estudios de caso, sostengo que se ha desarrollado un paradigma televisivo emergente en la región en el siglo XXI, uno que despliega la teatralidad, el video y la televisión como herramientas políticas y que se basa en la estética propia de la cultura política barroca colonial y poscolonial de América Latina.
Abstract
This dissertation analyses four media events in contemporary Latin American politics: (1) the collapse of Alberto Fujimori's administration in Peru following the vladivideos scandal, (2) the role of television in the failed coup against Hugo Chávez, (3) the recording and broadcasting of Ingrid Betancourt's military rescue in Colombia as part of Operación Jaque and (4) in Guatemala, the posthumous video testimony of murdered lawyer Rodrigo Rosenberg. Through these case studies I argue that an emergent televisual paradigm has developed in the region in the 21st century, one that deploys theatricality, video and television as political tools and which draws on aesthetics proper to the colonial and postcolonial baroque political culture of Latin America.
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Díaz, Bibiana.
Nación y subjetividades genéricas en la narrativa y teatro colombianos (1950 - 2012)
Irvine: University of California, Doctor of Philosophy in Spanish, 2014.
Bajo la dirección de Lucía Guerra Cunningham.
Resumen
Una de las características de la narrativa colombiana de mitad del siglo XX es la necesidad de describir todas las injusticias socio-políticas mediante una emergente voz de minorías, de esa otredad, registrada a través de la literatura. Las novelas estudiadas en esta tesis ofrecen una visión plural de identidades genéricas como expresiones de la marginalidad, con respecto a los discursos hegemónicos de la nación. El objetivo de esta disertación es precisamente analizar estos discursos disidentes tanto en el teatro como en la novela. La elección de dos áreas con especificidad distinta responde al deseo de presentar dos tipos de "discurso" de las minorías genéricas. Mientras en la novela se realiza una elaboración narrativa donde se incursiona en las subjetividades genéricas, los espacios que ocupan y sus relaciones con los presupuestos de la nación, en los textos teatrales se incorporan prácticas discursivas y performativas que construyen un imaginario social revelador de las relaciones sociales y los proyectos culturales incluyentes/excluyentes de estas subjetividades, teniendo en cuenta una diversidad de rasgos y tratamientos de códigos teatrales que corresponden al contexto histórico.
Los autores estudiados revelan los varios niveles de tensión entre el discurso oficial de la nación que proclama igualdad entre sus ciudadanos y el discurso disidente desde la perspectiva de minorías genéricas. En las novelas de mujeres, el discurso femenino ha logrado agencia pasando de una interioridad a una búsqueda de identidad en donde la mujer empieza escribiendo sobre ella misma, interrogando valores, explorando aspectos de lo desconocido, a la vez que registra hechos históricos nacionales desde el ámbito privado de la casa, la cocina, la cotidianidad elaborando una visión contestataria de la nación. En los textos de temática gay se desarrollan subjetividades homosexuales que exploran su identidad a través de los espacios urbanos, reinscribiendo nuevas cartografías con su deseo homoerótico y presentando, a su vez, una perspectiva disidente con respecto al imaginario nacional, sus íconos y sus discursos oficiales. Las/los autoras/es son agentes de cambio al otorgarle voz a esas minorías genéricas que poseen la carga representacional de la nación colombiana signada de hibridez.
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Esquivel, Catalina.
Facultad de filosofia y letras de la Universidad Autónoma de Barcelona, Tesis doctoral de estudios de doctorado en lengua y literatura catalana y estudios teatrales, 2014.
Director: Victor Molina
Tutor: Francesc Foguet
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Romero Rey, Sandro.
Género y destino. La tragedia griega en Colombia
Universitat de Barcelona, Programa de doctorado Culturas y Lenguas del mundo antiguo y su pervivencia, 2014.
2013
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Aschner Restrepo, Camila.
Violent Stages: Excess, Memory and Ritual in Contemporary Theater in Bogotá
Enlace en mantenimiento.
Emory University, USA, Tesis de doctorado, 2013.
Bajo la dirección de Michael Moon.
Resumen
Esta tesis doctoral explora cómo el teatro colombiano contemporáneo ha respondido a historias recientes de violencia en el país. Se analiza cómo las producciones teatrales crean estéticas del exceso que efectivamente reinscriben memorias en el público, al operar como espacios rituales. En el primer capítulo se estudia Los santos inocentes de Mapa Teatro, la cual está basada en un festival homónimo en Guapi, Cauca, y en las masacres del río Naya. La obra es leída como un ejemplo de lo que Antonin Artaud llama “teatro de la crueldad” y es puesto en diálogo con teoría sobre carnaval, teatro y exceso. Se analiza cómo la obra reúne instancias de alegría y dolor (festival y masacre) en un solo evento teatral que supera la audiencia y la hace parte de una historia que disuelve la frontera entre realidad y ficción. El segundo capítulo se basa en Homo Sacer del Teatro de Occidente y su dramaturgia de la fragmentación. Esta producción es vista en diálogo con la obra del mismo título, de Giorgio Agamben, que sirvió de inspiración para el texto dramático, con el fin de entender los diferentes tipos de sacralidad que la producción procura restaurar a la vida humana. La investigación propone que el performance recrea efectivamente el espacio de una fosa común, obligando a los espectadores a ocupar el lugar de las víctimas. En el tercer capítulo se estudia El deber de Fenster de Nicolás Montero y Humberto Dorado. La obra está basada en el principal testimonio de la masacre de Trujillo, Valle del Cauca, y construye una pieza documental alrededor de ella. La pieza es analizada en diálogo con teorías sobre la tortura y el testimonio, y arguye que la obra misma se convierte en un ejemplo de testimonio que interpela al espectador y lo transforma en testigo. También se estudia el papel que el fantasma juega en la producción, para entender el papel de la memoria del desaparecido en el escenario. El último capítulo presenta las tres obras en diálogo, con el fin de mostrar las operaciones que las tres realizan en relación con el exceso, la memoria y el ritual, y cómo ellas se convierten en nuevos ejemplos de violencia en escena.
Abstract (original)
This dissertation explores how contemporary theater in Colombia has been responding to recent histories of violence in the country. I analyze how theatrical productions construct aesthetics of excess that effectively re-inscribe memories into the public by operating as ritual spaces. In the first chapter I study Mapa Teatro's Los santos inocentes, which is based on an homonymous festival in Guapi, Cauca, and the massacres of the Naya River. I read the play as an example of what Antonin Artaud called "theater of cruelty" and set it in dialogue with theories about carnival, theater and excess. I analyze how the play brings together instances of joy and pain (festival and massacre) in a single theatrical event that overwhelms the audience and makes it part of a story that dissolves the borders between truth and fiction. The second chapter is based on Teatro de Occidente's Homo Sacer and its theater of fragmentation. I read this production in dialogue with Giorgio Agamben's work of the same title that served as inspiration for the play in order to understand the different types of sacredness that the production seeks to restore to human life. I argue that the performance effectively recreates the space of a mass grave forcing its audience to occupy the place of the victims. In the third chapter I study Nicolás Montero and Humberto Dorado's El deber de Fenster. The play is based on the main testimony about the massacre of Trujillo, Valle, and builds a documentary piece around it. I read this play in dialogue with theories about torture and testimony and argue that the play itself becomes a new instance of testimony that interpellants the spectators transforming them into witnesses. I also analyze the role that ghosts play in the production in order to understand the role of the memory of the disappeared on stage. The last chapter presents the three plays in dialogue in order to show the operations that they perform together on excess, memory and ritual and how they become new instances of violence on the stage.
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King, Barnaby Rosa.
Carnivalesque Economies: Clowning as Transformational Social Practice in Colombia
Northwestern University, Ph. D. in Performance Studies, 2013.
Enlace: view full text
Está restringido, solo pueden consultarlo los afiliados a la Universidad.
Sin embargo, está publicado el siguiente libro Clowning as social performance in Colombia: ridicule and resistance. London: Bloomsbury Methuen Drama, an imprint of Bloomsbury Publishing Plc, 2017.
Abstract
Clowning practices have proliferated in Bogota and other parts of Colombia over the past 10 years. This dissertation draws on ethnographic fieldwork to suggest that this proliferation is crucially interrelated with political, economic, and social developments within this same period, both in Bogota and Colombia, including shifts in patterns of consumption, labor, urban regeneration, internal migration, civic culture, and civil conflict. If clowning is a type of performance with a strong tradition for the subversion and transgression of norms, its disruptive aesthetic does not necessarily shape or limit its social efficacy. In some cases, the carnivalesque aesthetics of clowning appear to be coopted by economic and ideological forces that ultimately render it an instrument of power, while at times cultural performers re-imagine clowning aesthetics as tactics that instantiate a politics of resistance and opposition against certain forms of oppression and injustice. The juxtapositioning of "carnivalesque" and "economies" in a single term, "carnivalesque economies," signals the precarious balance between multiple influences that come to shape the form and function of clown performance itself, materialized in particularized examples of carnivalesque economies.
The dissertation draws upon fieldwork undertaken over a ten-year period with circus clowns, clowns who advertise businesses, clowns involved in instigating positive social change, and clowns working in hospitals. In each case, detailed accounts of performances, interviews, and thick descriptions of the everyday lives of clown performers, are placed alongside the broader social, political, and economic contexts that particularly pertain in each case, in order to map out the territory of what are termed "carnivalesque economies." While it is suggested that certain patterns and tendencies of clowning are adaptive to the powerful influences of globalization, neoliberalism, and neocolonialism. For example, in the case of the restaurant clowns who have survived in the marketplace by re-tooling their comic and circus skills in order to promote small businesses on the street, the dissertation also draws extensively on local theorizations of clowning to show how such adaptations generate a connection to an extant genealogy of clowning within Latin America and beyond, and also at times invoke an agency that challenges the normative or capitalist logics that seem to be driving such adaptations. The concept of "carnivalesque economies" draws significantly on postcolonial theories of resistance, as well as on performance theory and Latin American cultural studies, but applying it to the previously neglected subject of contemporary urban clowning.
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Montoya Restrepo, Olga Lucía.
Espace, temps et présence dans les dramaturgies du no man's land urbain. Vers un drame performatif?
Enlace en mantenimiento.
Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, Thèse de doctorat en Études théâtrales, 2013.
Bajo la dirección de Joseph Danan.
Resumen
A través del análisis de ocho piezas de teatro que tienen lugar en no-man’s lands urbanos, las cuales hemos agrupado en lo que Jean-Pierre Sarrazac llama “la dramaturgia de no-man’s land”, se intenta mostrar cómo el drama moderno y contemporáneo continúa reinventándose a sí mismo mediante la adopción de otros modelos dramatúrgicos. Esta investigación se aplica especialmente a uno de estos modelos, el arte performativo. Como el filósofo Jacques Derrida afirmó en relación con la deconstrucción, los autores de estas obras también, “piensan sobre este pasaje más adelante, sobre el límite, sobre otro lugar-aquí-y-ahora” mediante la representación de un no-man’s land urbano. Este no-lugar heterotópico les permite reflexionar sobre la violencia del mundo, mientras experimentan nuevas formas del drama. Al situarse en esta línea, en esta frontera, “en otro-lugar de certezas”, estos autores dan curso a un drama que, después de la catástrofe de la segunda Guerra Mundial, de la caída de las utopías de izquierda y al crecimiento desbocado del capital, busca proponer preguntas, más que brindar respuestas en el sentido brechtiano. A través de la desconstrucción y mediante la adopción de elementos performativos en el tratamiento del tiempo, espacio y de la presencia del autor y del personaje, los autores Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo García, Tim Etchells, Víctor Viviescas y Carolina Vivas, ponen al espectador en relación con la escena, en contacto directo con la crueldad anunciada por Artaud, la cual no se limita a la imitación, sino que es también una experiencia presente: la del vacío.
Résumé (original)
A travers l’analyse de huit pièces de théâtre se déroulant dans des no man’s lands urbains et que nous réunissons sous ce que Jean-Pierre Sarrazac appelle «la dramaturgie du no man’s land», nous tentons de montrer comment le drame moderne et contemporain continue à se réinventer par l’adoption d’autres modèles dramaturgiques. Notre recherche s’applique surtout à l’un de ses modèles, celui de la performance. Comme le dit Jacques Derrida à propos de la déconstruction, pour les auteurs de ces pièces, il s’agit aussi par la représentation du no man’s land urbain de «penser à partir de ce passage, à la limite, à un ailleurs-ici». Ce non-lieu hétérotopique leur permet à la fois de penser la violence du monde tout en continuant à expérimenter de nouvelles formes du drame. En se situant sur cette ligne, sur cette frontière, «dans un ailleurs de certitudes», ces auteurs donnent cours à un drame qui, succédant à la catastrophe de la deuxième guerre mondiale, à la chute des utopies de gauche et à l’accroissement affolé du capital, ne cherche pas à donner de réponses à la manière du théâtre brechtien, mais à soulever des questions. Par cette déconstruction et par l’adoption des éléments performatifs dans le traitement du temps, de l’espace et de la présence de l’auteur et du personnage, ces auteurs, Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo Garcia, Tim Etchells, Victor Viviescas et Carolina Vivas, mettent le spectateur en relation directe avec la scène de cette cruauté annoncée par Artaud qui ne se limite pas à une imitation mais est aussi une expérience au présent : celle du vide.
Abstract
By analyzing eight plays taking place in urban no-man’s-lands, which we have grouped under the heading of what Jean-Pierre Sarrazac calls “no-man’s-land dramaturgy,” we attempt to show how modern and contemporary drama continues to reinvent itself through the adoption of other dramaturgic models. Our research is applied especially to one of these models – performance art. As Jacques Derrida says in regards to deconstruction, the authors of these plays, too, «think about this passage onward, about a limit, about an elsewhere-here-and-now» by the representation of an urban no-man’s-land. This heterotopian non-place allows them to reflect on the violence of the world even as they experiment with new forms of drama. By going out on that edge, that border, out to «an elsewhere of certitudes» these authors set in motion a drama which, coming as it does after the catastrophe of the second world war, after the fall of leftist utopias, on the heels of madly spiraling capital, seeks to pose questions rather than provide answers in a Brechtian sense. Through this deconstruction and by the now adoption of performative elements in the treatment of time, space and presence of the author and of the character, authors Harold Pinter, Botho Strauss, Bernard-Marie Koltès, Edward Bond, Rodrigo Garcia, Tim Etchells, Victor Viviescas and Carolina Vivas put the audience directly in touch with the cruelty foretold by Artaud, which isn’t limited to imitation but is also an experience of the present – that of the void.
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Palmeri, Daniela.
Universitat Autònoma de Barcelona, Tesis de doctorado, Departamento de Filología Catalana, 2013
Bajo la dirección de Rossend Arquès Corominas.
Resumen
La presente tesis realiza un estudio sobre la reescritura del mito griego en el teatro contemporáneo. El centro de la atención es la reescritura de la Orestíada, la tragedia de Esquilo en la que se representa el paso de una sociedad arcaica y violenta a una democrática; donde, sin embargo, el matricida queda impune. A lo largo de la historia cultural europea la Orestíada ha representado un importante modelo teatral, así como un núcleo para reflexionar sobre el nexo entre tragedia, política y rito. Reescribir el mito significa deconstruir el imaginario y trabajar sobre las representaciones presentes en el canon occidental que ha desarrollado una función normativa. La primera parte de esta tesis propone un recorrido teórico y propedéutico alrededor de tres núcleos: una aproximación a la Orestíada a lo largo de la historia cultural; un análisis detallado de los conceptos de intertextualidad y reescritura a partir de las teorías literarias y teatrales; una descripción panorámica de las distintas tendencias estéticas y culturales presentes en el teatro contemporáneo (las tendencias postmodernas y posdramáticas y las conexiones con lo intercultural y postcolonial y el género). En la segunda parte se analizan cuatro reescrituras contemporáneas de diferentes países: Orestea. Una Commedia Organica? de Romeo Castellucci y la Socìetas Raffaello Sanzio, (Italia, 1995); Orestea ex machina de Mapa Teatro (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos de Rodrigo García y la Carnicería Teatro (España, 2003); Molora de Yael Farber y la Farber Foundry (Sudáfrica, 2003).
El objetivo es analizar la reescritura de la Orestíada dentro y fuera de Europa y observar cómo el contexto histórico, político y cultural influye en la reescritura. Por una parte, el análisis de las obras desarrolla los vínculos entre los sistemas escénicos de representación y los contextos histórico-culturales específicos. Por otra parte, se apoya en la reconstrucción de la estética de cada compañía y de las estrategias de re-apropiación del mito clásico. La investigación toma como eje vertebrador el teatro actual, como espacio cultural y artístico propicio para replantear una reflexión sobre la relación entre el mito griego, lo político y lo ritual en la contemporaneidad. La perspectiva teórica es interdisciplinar y entrecruza varios discursos presentes en la contemporaneidad: artes escénicas, teoría del teatro y de la literatura, semiótica, estudios de género y postcoloniales. Dentro de este marco, la reescritura constituye un complejo laboratorio para trabajar sobre la dialéctica pasado/presente y, también, nosotros/los otros.
Abstract (Inglés)
This thesis presents a study on the rewriting of Greek myth in contemporary theatre and, in particular, analyzes the rewriting of the Oresteia in different countries. The Aeschylus' trilogy is concerned with the transition from a violent society to a democratic one. Nevertheless, the resulting democracy is not a fair one because it is based on impunity: Orestes is absolved. Within the European cultural history, the Oresteia represents an important theatrical model as well as an interesting topic to re-interpret the relationship between tragedy, politics and ritual. Re-writing the myth entails deconstructing the stereotypes and working through the western canon, which involves a normative connotation. In the first part of my dissertation, I examine three clusters: the myth of the Oresteia; the topics of "intertextuality" and "rewriting" from a literary and theatrical perspective; the description of the different trends in contemporary theatre (postmodern and post-dramatic movements and the connections with intercultural, postcolonial and gender studies). In the second part of the dissertation, I examine four rewritings of the Oresteia: Orestea. Una Commedia Organica? by Romeo Castellucci and the Socìetas Raffaello Sanzio (Italy, 1995); Orestea ex machina by Mapa Teatro 1995 (Colombia, 1995); Agamenón. Volví del supermercado y le di una paliza a mis hijos by Rodrigo García and the Carnicería teatro (Spain, 2003); Molora by Yael Farber and the Farber Foundry (South Africa, 2003). The main purpose is to approach the "rewriting" of Greek myth in contemporary theatre from an interdisciplinary and theoretical perspective as well as to analyze the connections between the historical and political contexts and the texts. On the one hand, the thesis analyzes the relationship between theatrical strategies and specific historic-cultural contexts. On the other hand, the purpose is to reconstruct the aesthetics of the performances and the different models of reappropriation of the Greek myth. In my thesis, I consider theatre as a cultural tool which contributes to the survival of Greek culture intertwining political and ritual aspects. In this respect, the "re-writing" is like a huge laboratory, where it is possible to explore the borders between classic and contemporary representations of us/the others.
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Velásquez Ángel, Ana Milena.
Archivo descargable.
En español: El arte del clown en Colombia contemporánea: el renacimiento del clown, un actor social y politico y la risa del espectador una forma de resistencia y de libertad.
Université de la Sorbonne Nouvelle Paris III, Théâtre et arts du spectacle, 2013.
Bajo la dirección de Christine Hamon-Siréjols.
Resumen
El arte del clown en Colombia contemporánea está en pleno desarrollo. Aunque está claro que la figura del clown no ha dejado nunca de existir en nuestra sociedad, a través de múltiples formas en la historia de la humanidad. Durante los últimos diez años podemos decir que estamos presenciando el renacimiento del clown en nuestro país. El arte del clown está permitiendo una revalorización del lenguaje cómico y poético de los artistas, en la sociedad colombiana actual, otorgándole al actor clown un rol social y político que le permite al espectador vivir una forma de resistencia y de liberación de la realidad violenta cotidiana.
El análisis de la perspectiva histórica del circo, como lenguaje artístico moderno, permite comprender cómo el arte del clown se constituye y se desarrolla durante los siglos XIX y XX, hasta convertirse en un arte autónomo, con su incursión en el teatro y en las escuelas de formación teatral.
Este estudio busca esclarecer los fundamentos teóricos del nacimiento y evolución del arte del clown en el circo moderno, en Europa y desde la época prehispánica en América Latina, hasta el mundo contemporáneo. La perspectiva histórica señala que mucho antes de la llegada del clown al circo moderno, en el siglo XVIII es posible identificar los personajes cómicos y clownescos en la cultura precolombina y durante el periodo de colonización. En la historia de las fiestas populares en América Latina, los personajes itinerantes y cómicos se desarrollaron en paralelo a las formas religiosas espectaculares de la ideología española. Los circos europeos y americanos llegaron a América en un contexto de resistencia y más tarde con la independencia empezaron a escribir su propia historia, la historia del circo en América Latina.
El modelo económico latinoamericano y la reciente industria cultural, sumada a la ausencia de escuelas de formación de circo, determinan la evolución del circo como una institución de carácter social que busca, a través de las disciplinas y las técnicas, formar jóvenes y niños en situación de violencia. Por otra parte, el teatro sufrirá divisiones entre la tradición clásica y la aparición de ideologías modernas sobre la formación del actor, hasta consolidarse el método artístico de la creación colectiva. El clown o payaso del circo tradicional se manifestará como un estereotipo con los dúos de payasos, que incursionan en la televisión, en la calle, en los restaurantes y como forma de sobrevivencia para los mendigos.
El presente estudio aborda los elementos semióticos de la figura de los nuevos clowns como artistas y arte autónomo, impulsados principalmente por la pedagogía del francés Jacques Lecoq, difundido por el mundo entero, con una incidencia importante en América Latina, donde se producirá el encuentro con el método de la creación colectiva, basado en la improvisación. Esta pedagogía llega a través de festivales internacionales de teatro, de talleres e intercambios de artistas y espectadores conocedores del panorama del clown a nivel mundial, renovando así el fenómeno de marginalización del arte del payaso por una transformación del estatus artístico y social del clown.
La práctica enraizada de la creación colectiva, el importante trabajo de los colectivos artísticos y la implicación del teatro en las transformaciones sociales y políticas del país, se reencuentran con el lenguaje de los nuevos clowns, para dar forma a creaciones clownescas colectivas, de carácter sólido y original.
El trabajo de investigación de esta tesis se concentra en la función que ejercen los clowns contemporáneos en el presente de la sociedad colombiana, resultante de un vasto periodo de crisis, marcado por los enfrentamientos y las oleadas sucesivas de violencia. El humor, característica particular de la cultura y forma incontestable de afrontar la realidad dolorosa, se encuentra con el arte del clown que, por la risa, permitirá recuperar el valor sagrado del chaman, el bobo, los bufones y locos de la historia. De esta manera, se reconoce la inclusión del lenguaje del clown en diversos contextos (hospitales, misiones humanitarias y procesos sociales), y se asevera que el espectador vive una forma de liberación gracias a la comunicación que establece con el clown a través de la risa.
En muchos ejemplos de grupos artísticos y de artistas clowns contemporáneos, este estudio analiza el aspecto político del clown en su acto de comunicación libre, que se instala en el convivio, concepto desarrollado por el teórico argentino Jorge Dubatti y en sus actos de resistencia, a partir del concepto de la poelitique del clown desarrollado por Jean Bernard Bonange, director de la compañía Bataclown y fundador del clownanálisis en Francia.
2012
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Coben, Lawrence S.
Theaters of power: Inca imperial performance
University of Pennsylvania, Ph. D. in Anthropology, 2012, 340 p.
Dirección de Clark L. Erickso.
Abstract
Military and police power has proven time and again to be necessary but not sufficient to create and maintain an empire. Empires must employ a multitude of strategies to expand and survive, one of the most important of which is state-sanctioned public spectacles, ceremonies, and rituals. This dissertation examines the roles of these large-scale non-quotidian performances that are organized and directed by political agents, occur generally at specified times and locations, and include elements of the spectacular, theatricality, cosmological invocation, and feasting.
These, state-sanctioned public spectacles, ceremonies, and rituals, have received inadequate attention from archaeologists. Archaeologists traditionally focused on the development of administrative and economic systems, ignoring the roles of performances in imperial expansion, which have often been considered epiphenomenal.
My own research has focused on one of these empires, the Inka, and how it grew from a small single valley in Peru to a powerful polity ranging north to Ecuador and Colombia, south to Chile and Argentina, and east to Bolivia and Paraguay. This expansion occurred without many of the tools historically considered critical to such expansion, including a writing system, horses, and the wheel.
I analyze religious and state constructions and spaces for their roles in and as the settings for spectacles and ceremonies. Utilizing a performance-based perspective and theories of semiotics and pragmatics drawn from semiotic anthropology, I focus on a particular set of Inka performance spaces and their role in imperial expansion and control: the capital Cuzco and certain replicas of that capital constructed in other parts of the empire.
I suggest that these sites served as the settings for a calendar of ritual ceremonies and spectacles that referenced certain repeated physical attributes and were performed by and for an audience of the Inka themselves, and did not, like other performances in the empire, involve the meaningful participation of other social groups within the empire. I also suggest that these Cuzco replicas were strategically placed in areas of war and rebellion where the utilization of ritual performance to maintain, reinforce, inculcate and manipulate Inka ideology, identity, and power was a critical element of imperial strategy.
Resumen
El poder militar y policial ha demostrado una y otra vez que es necesario pero no suficiente para establecer y mantener un imperio. Éstos deben emplear estrategias para expandirse y sobrevivir. Una de las más importantes son los espectáculos, ceremonias y rituales públicos autorizados por el Estado. La presente disertación examina los roles de las representaciones no cotidianas a gran escala que están organizadas y dirigidas por agentes políticos; ocurren, generalmente, en momentos y lugares específicos e incluyen elementos de la espectacularidad, la teatralidad, la invocación cosmológica y el festín.
Estos espectáculos, ceremonias y rituales públicos autorizados por el Estado no han recibido la atención adecuada de los arqueólogos. Los arqueólogos se centraron tradicionalmente en el desarrollo de sistemas administrativos y económicos, ignorando los roles de las actuaciones en la expansión imperial, que a menudo se han considerado epifenómenos.
Mi propia investigación se ha centrado en uno de estos imperios, el Inka, y la manera como creció desde un pequeño valle en Perú hasta convertirse en una poderosa entidad política que se extendió al norte hasta Ecuador y Colombia, al sur hasta Chile y Argentina, y al este hasta Bolivia y Paraguay. Esta expansión ocurrió sin muchas de las herramientas históricamente consideradas críticas para tal expansión, incluido un sistema de escritura, caballos y la rueda.
Analizo las construcciones y espacios religiosos y estatales por su papel en y como escenarios para espectáculos y ceremonias. Utilizando una perspectiva basada en la actuación y teorías de la semiótica y la pragmática extraídas de la antropología semiótica, me centro en un conjunto particular de espacios de actuación Inka y su papel en la expansión y el control imperial: la capital Cuzco y ciertas réplicas de esa capital construida en otras partes del imperio.
Sugiero que estos sitios sirvieron como escenario para un calendario de ceremonias rituales y espectáculos que hicieron referencia a ciertos atributos físicos repetidos y fueron realizados por y para una audiencia de los mismos Inka, y no involucraron, como otras representaciones en el imperio, el significado significativo, participación de otros grupos sociales dentro del imperio. También sugiero que estas réplicas de Cuzco se colocaron estratégicamente en áreas de guerra y rebelión donde la utilización de la ejecución ritual para mantener, reforzar, inculcar y manipular la ideología, la identidad y el poder Inka era un elemento crítico de la estrategia imperial.
2011
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Cárdenas Ángel, Carlos Francisco.
Universidade Federal de Santa Catarina, 2011.
Programa de Pós-Graduação em Antropologia Social.
Bajo la dirección de Rafael José de Menezes Bastos.
Resumen
Esta es una etnografía del colectivo Juventudes Titiriteras, JUTI, que agrupa varios grupos de teatro de marionetas y payasos, casi todos de la ciudad de Bogotá. Tiene como énfasis las dimensiones organizativas y estéticas del colectivo. El objetivo es elucidar la noción primigenia de “lo político” que integra tanto los intentos de instaurar una nueva forma de organización de los artistas, como también se esfuerza en crear dramas con un componente político, sutil y complejo. De esta manera, el ejercicio etnográfico trae la posibilidad de invocar reflexiones en torno a la relación entre estética y política, y sus implicaciones concretas en el teatro de animación de objetos.
Nueva
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Morales Carvajal, José Alexander.
Mapa Teatro, laboratoire d'artistes: Théâtre et métissage des arts en Colombie
Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, Mémoire de Master 1: Etudes théâtrales,
2011.
Archivo descargable en: academia.edu
2010
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Arcila, Jorge Tadeo.
University of Toronto, 2010.
Doctor of Philosophy, Department of Sociology and Equity Studies in Education.
Bajo la dirección de Roger I. Simon.
Resumen
Se trata de un estudio de investigación que explora el tipo de posibilidades pedagógicas que la memoria colectiva, mediada por la práctica del teatro en la educación, puede ofrecer en la recuperación de memoria. El estudio se centra en un drama-remembranza (proyecto artístico y pedagógico) que intenta vincular el aprendizaje histórico, significativo, con el recuerdo crítico, a través de la práctica teatral en el salón de clase. Al asumir que la escuela es un terreno dentro del cual es posible la memoria colectiva, esta investigación se ocupa de los procesos educativos que facilitan la comprensión de una “obra de memoria colectiva”.
La hipótesis es que a través de la obra de teatro, entendida como una práctica performativa, los estudiantes pueden explorar de manera productiva el trabajo de la memoria, su funcionamiento, implicaciones y estructuras. Además, mediante el manejo de los elementos propios que conforman el arte, se propone que los estudiantes también aprendan cómo funciona el teatro, sus mecanismos y dispositivos. Yo llamo a este enfoque "Práctica del Drama-Conmemorativo", ya que constituye una aplicación particular del teatro con el marco de la memoria y el recuerdo.
Esta tesis relata y analiza los episodios claves durante el periodo investigativo, que incluye un grupo de dieciséis estudiantes de décimo grado, de la clase de teatro, su profesor de teatro y yo mismo –artista dramático, investigador y educador–, quienes exploramos de manera colectiva los temas de la memoria histórica mediante el proceso de la práctica teatral.
La configuración inicial de esta exploración fue un proyecto que inició una “comunidad de memoria”, en una clase de teatro en el Colegio Normal-Distrital María Montessori, en Bogotá, Colombia. Los participantes-investigadores trabajaron a través de preguntas relacionadas con la memoria pública de la historia del afrodescendiente colombiano Manuel Saturio Valencia, uno de los últimos prisioneros en ser ejecutado por el Estado, antes de que la pena capital fuera abolida en Colombia en 1910. Como descendiente africano, la vida de Saturio y su subsiguiente ejecución permanece siendo desconocida en el país. Por lo tanto, este proyecto le apuesta a la recuperación de historias olvidadas, la construcción de una memoria pública más inclusiva y la formación de una conciencia histórica crítica.
Abstract
This is a research study that explores the kind of pedagogical possibilities that collective remembrance mediated by practices of drama in education, might offer to the work of memory. Under study is a drama-remembrance (an artistic and pedagogical project) that attempts to link significant historical learning with critical remembrance through the classroom drama praxis. Assuming the school as a terrain within which a community of memory is possible, this research is concerned with educational processes that facilitate the understanding of the ‘work of collective memory’. The hypothesis is that through the work of drama framed as a performative practice of remembrance, students can productively explore the work of memory; its functioning, implications and structures. In addition, by manipulating the elements of the art form, it is proposed that students also learn how drama works, its mechanisms and devices. I call this approach “Drama-Remembrance Praxis”, as it constitutes a particular application of theatre to the memory and remembrance framework. This dissertation provides an account of and analyzes key episodes of the research journey of a group of 16 students in a Grade 10 drama class, their drama teacher and myself -a drama artist, researcher and educator- as we collectively explored issues of historical memory through practices of process drama. The setting for this exploration was a project to initiate a drama classroom-based "community of memory" with one class in the Normal-Distrital Maria Montessori School, in Bogotá, Colombia, South America. Participant-researchers worked through questions regarding the public remembrance of the story of the Colombian Afro-descendant Manuel Saturio Valencia, one of last prisoners to be executed by the State before capital punishment was eliminated from Colombia in 1910. As an Afro-descendant, the story of Saturio's life and subsequent execution remains little known in Colombia. Thus at stake in this project was the recovery of forgotten stories, the construction of a more inclusive public memory, and the formation of a critical historical consciousness.
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Camacho López, Sandra.
El encierro como modelo de lo trágico en la dramaturgia contemporánea colombiana
Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, 2010.
Thèse de doctorat en Études théâtrales
Bajo la dirección de Catherine Naugrette.
Resumen
Campo de la indagación. La dramaturgia colombiana contemporánea desde dos lineamientos: el encierro y la relación de este con la situación trágica de los personajes.
Desde esta perspectiva vemos un entrecruzamiento entre la concepción del espacio y de los cuerpos de los personajes en él, y la situación sin salida entre los personajes, como una eternización del conflicto trágico porque no encuentra resolución. Una metáfora de nuestra realidad y una indagación por el sentido de lo humano en nuestra sociedad, cuando los cuerpos se convierten en escenarios del horror.
Las preguntas que nos conducen hacia las conclusiones son: ¿a dónde va lo trágico cuando la tragedia ya no existe? ¿Para qué el horror sobre la escena (desde los cuerpos, las palabras y las imágenes) en un país que lo vive a diario en su ser cotidiano?
La dramaturgia colombiana contemporánea nos sitúa así delante de dos itinerarios que parecen superponerse: el itinerario de lo real y el itinerario de lo ficcional. Las obras de autor, de los últimos treinta años, nos conducen, por una parte, hacia el camino de lo real, porque con ellas encontramos representado el particular contexto sociopolítico colombiano. Por otra parte, nos permite entrever un paisaje ficcional en el que lo real se encuentra extrañado y simbolizado gracias a las actuales formas de escritura dramática. Formas diversas que se dibujan a través de las diecisiete piezas teatrales colombianas que se analizaron para esta investigación.
Primera premisa: El filósofo francés Jean-Marie Schaeffer nos instala de manera precisa sobre la relación existente entre el arte y la vida, en ese entrecruzamiento entre la realidad y la ficción: “De un lado no está la vida que llevamos y del otro las prácticas artísticas. Existe una relación indisoluble entre las dos (…), el arte es un desarrollo natural de la cultura humana desde el punto de vista de la evolución histórica a la vez que del desarrollo individual (…) La ficción permite comprender no solo una de las fuentes de las prácticas artísticas, desde el punto de vista de la historia cultural de la humanidad sino también el punto de vista de los individuos que todos nosotros somos” Estas afirmaciones de Jean-Marie Schaeffer nos conducen a una reflexión sobre la relación estrecha entre la creación artística y los acontecimientos humanos. Las primeras preguntas que surgen en este sentido son: ¿Cuáles son las formas que aparecen en las dramaturgias colombianas contemporáneas que permitirían comprender esa relación entre el arte y el hombre actor cultural de la sociedad de hoy? ¿Cómo se muestran esas nuevas formas de hoy con respecto a las que se observaron en otras épocas de la historia del teatro colombiano? ¿Cómo podrían redefinirse los parámetros estéticos teatrales clásicos respecto a los contemporáneos? Las preguntas planteadas anteriormente se responderán bajo la luz de la relación arte-contexto, realidad-ficción, teniendo como objeto de estudio algunas obras de diferentes autores de la dramaturgia contemporánea colombiana de los últimos treinta años y a partir de la hipótesis siguiente: La figura recurrente del encierro en la dramaturgia contemporánea colombiana es un modelo actual de la representación de lo trágico.
Segunda premisa: El hecho escénico que reúne las obras de nuestro corpus de investigación es la constante situación de encierro a la que son sometidos los personajes. Este encierro se presenta mediante diferentes elementos dramáticos, tales como diálogos y/o monólogos de los personajes, didascalias, objetos, el paso del tiempo, el universo sonoro y el tratamiento que se les da a los cuerpos de los personajes. Las características de los lugares y de las acciones sobre y desde los cuerpos en las situaciones que se desarrollan en las diferentes obras dramáticas. Son obras en las que la representación del mundo está enmarcada por el encarcelamiento en todos los sentidos, aunque los barrotes de las celdas en las que están confinados los personajes no se vean de manera literal. A partir de las didascalias y de los textos veremos la transformación de los lugares cotidianos en lugares de detención: salón cerrado, sótano oscuro, sobre los descombros (…), en medio de la balacera, en medio del paisaje, en una habitación, en un baño, en una casa, en un entrecruzamiento de caminos, en una sala, entre otros.
Objeto de estudio: la representación en la dramaturgia contemporánea de la situación social de nuestro país, del hombre en nuestra sociedad y de la confrontación que vive el ser contemporáneo con la muerte violenta. En contraste con un mundo que banaliza el dolor y la muerte. La violencia y el horror que la impregna.
Obras estudiadas: Cuarto frío (1998) de Tania Cárdenas. Ciudad limpia (2008) de Diana Chery. La sangre más transparente (1992) de Henry Díaz, La casa de Irene (1984) y Las burguesas de la calle menor (1986) de José Manuel Freidel. Un miércoles de ceniza (1994) de José Domingo Garzón. Otra de leche (2003-2005) de Carlos Enrique Lozano. Cada vez que ladran los perros (1997) y El vientre de la ballena (2005) de Fabio Rubiano. Rubiela roja (2004) de Victoria Valencia. Magnolia perdida en sueños (2005) y Pies hinchados (2002) de Ana María Vallejo. Gallina y el otro (1999) de Carolina Vivas. Veneno (1990), La técnica del hombre blanco (1998-2001), Ruleta rusa (1993) y Los adioses de José (2006) de Victor Viviescas.
Résumé (original)
Avec la dramaturgie colombienne des trente dernières années, nous nous trouvons devant deux itinéraires qui semblent s’entrecroiser, ou mieux, se superposer: le réel, qui correspond au contexte socio-politique colombien et le fictionnel, qui nous permet d’entrevoir un paysage de fiction singulier se dessiner à travers certaines pièces contemporaines colombiennes. Cet entrecroisement entre le réel et le fictionnel nous amène à la figure récurrente de l’enfermement. Nous assistons à la représentation d’un monde où les prisons n’ont plus de barreaux, où l’enfermement est présent au quotidien. Sur scène les personnages sont clôturés leurs espaces physiques et métaphoriques, intérieurs ou extérieurs, qui leurs interdisent toute possibilité d’issue et de conciliation entre les forces opposées qui maintiennent leurs conflits. L’enfermement conduit donc les personnages au sentiment tragique, à la perte du monde et de soi, c'est-à-dire que le tragique perd dans ces pièces le sens transcendant de l’humain. D’où les questions initiales dont nous sommes partis: comment l’enfermement dans un espace dramatique contemporain nous permet-il de retrouver le tragique? Et où va ce tragique, aujourd’hui, quand la tragédie n’existe plus? Cette forme actuelle du tragique ne pourrait-elle pas être une nouvelle façon de retrouver l’essence de la tragédie et le «sens de l’humain»? Ce sont ces interrogations qui donnent leurs lignes directrices à notre recherche.
Abstract
With Colombian drama of the last thirty years, we face two routes intersect that appear, or better, overlap: the real, which corresponds to the socio-political context of Colombia and the fictional, which allows us to glimpse a singular landscape of fiction to emerge through some contemporary pieces Colombia. This interplay between reality and fiction brings us to the recurring figure of confinement. Thus we attend the performance of a world where prisons have no bars, where the confinement is daily. On stage the characters are enclosed in their physical and metaphorical, indoor or outdoor spaces, which prohibit any possibility of completion and reconciliation between the opposite forces that maintains their conflicts. Then, confinement leads characters to a tragic feeling, the loss of the world and oneself, that is to say that the tragic lost in these pieces, meaning transcending the human. Hence the initial questions which we started: how to confinement in a dramatic contemporary space enable us to find the tragic? And where will this tragic go, when the tragedy is over? The current form of tragedy could it not be a new way to recapture the essence of the tragedy and the «sense of humanity»? These are questions that give their guidance in our research.
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Esquivel, Catalina.
Teatro La Candelaria: rasgos de una dramaturgia nacional
Universidad Autónoma de Barcelona, 2010.
Treball de recerca de Estudios de Doctorado en Lengua y Literatura Catalana y Estudios Teatrales.
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Martínez Roche, Milagros.
La re-escritura de los clásicos españoles en tres piezas del teatro de autor del grupo La Candelaria [1] [2] [3]
Universidad de Puerto Rico, Programa Graduado de Estudios Hispánicos, 2010.
Resumen
La investigación La re-escritura de los clásicos españoles en tres piezas del teatro de autor del grupo La Candelaria examina la incorporación de la estrategia de la reescritura en tres piezas de autor del colectivo teatral La Candelaria. Con motivo de la búsqueda de la renovación de sus estrategias creativas, y como resultado de una serie de talleres formativos e investigativos en torno al tema de la identidad y su relación con el tema de la conquista de América, surge una trilogía de obras en las cuales el grupo de teatreros reacciona ante el tema estudiado. Las piezas resultantes difieren de las anteriores en que estas son creadas por el método de teatro de autor o creación individual, a diferencia de las previas, trabajadas bajo la creación colectiva. De la trilogía, este estudio incluye el análisis de las piezas El diálogo de rebusque (1981), de Santiago García Pinzón (1928) y La tras-escena (1984), de Fernando Peñuela (1948). Además, se analiza El Quijote (1999), versión de Santiago García, en la que años más tarde y con motivo de la conmemoración de los cuatrocientos años del original cervantino, nuevamente se emprende la reescritura como estrategia creativa. El uso de la estrategia de la reescritura es frecuentemente utilizada por el teatro latinoamericano para dar testimonio de la realidad social. Esta renovación textual comprende un amplio espectro de posibilidades escriturales que varían desde los que contienen meras alusiones a un hipotexto clásico hasta la re-escritura del texto que se transforma en hipertexto de su antecesor. En la mayoría de las ocasiones, por tanto, se produce una distorsión, una actualización del clásico o, incluso, su manejo como mera excusa para la creación de un nuevo escrito. Los textos seleccionados son representativos de la utilización de esta técnica como recurso para recontar la realidad latinoamericana desde una perspectiva que funde lo ideológico y lo artístico. Además, las obras estudiadas incluyen el uso de diversos recursos teóricos como el distanciamiento brechtiano y las cronotopías, la intertextualidad y el discurso carnavalesco desde la perspectiva bajtiniana. Su incorporación y pertinencia se analizan como parte de los postulados en torno a la forma distintiva de hacer teatro del grupo La Candelaria.
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Stourna, Athéna-Hélène.
París: Université de la Sorbonne Nouvelle, Théâtre et arts du spectacle, 2010.
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Résumé
La liaison de la nourriture, de la boisson et du spectaculaire caractérise le théâtre depuis l'antiquité. La présente étude questionne cette relation à partir de la naissance officielle de la mise en scène en France, à la fin du 19e siècle et jusqu'à aujourd'hui. Le point de départ et de repère est la France, pays qui a vu naître et a accueilli toutes les grandes évolutions du théâtre moderne et de la gastronomie. Au fur et à mesure, le champ géographique s'élargit pour inclure d'autres pays européens (Russie, Grande-Bretagne, Suède, Allemagne, Suisse, Italie, Espagne, Grèce) ainsi que les pays de l'Amérique du Sud (Venezuela, Colombie) et les États-Unis. Des pièces, des mises en scène et des performances, qui mettent en avant l'alimentation et la cuisine en tant que pratique d'art ou en tant que lieu, sont réunies et analysées. Quatre axes de la pratique théâtrale sont suivis : la dramaturgie, la mise en scène, la scénographie et le jeu de l'acteur.
Since ancient times, theatre has been characterised by a bond between food, drink and the spectacle.
Abstract
This study provides an account of this relationship from the beginnings of theatre direction in late 19th century France up until the present. Our departure and reference point is France, a country that witnessed and fostered the most important innovations in theatre and gastronomy. Progressively, our area of geographical focus is enlarged to include other European countries (Russia, United Kingdom, Sweden, Germany, Switzerland, Italy, Spain, and Greece) as well as countries from South America (Venezuela, Colombia) and the United States. We have collected and analysed a series of plays, stagings, and performances in which food and drink consumption, cuisine and the kitchen are featured prominently. Four axes in theatre practice have been followed: dramaturgy, theatre direction, scenography and acting.
Nueva
2009
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Britos, Marlene Cristiane Gomes.
Archivo descargable.
Universidades de São Paulo, 2009.
Programa de Pós-Graduação em Integração da América Latina, (tesis de maestría).
Bajo la dirección de la Dra. Dilma Melo Silva.
Resumen
Este estudio investiga dos experiencias contemporáneas de teatro popular en América Latina: el teatro político desarrollado por el grupo Filhos da Mãe…Terra, fundado por jóvenes militantes del MST (Movimento dos Trabalhadores Rurais Sem Terra), residentes en el asentamiento Carlos Lamarca, en Sarapuí, en el interior de São Paulo, Brasil, y Espantapájaros, colectivo teatral comunitario, integrado por jóvenes pertenecientes a la Corporación Cultural Nuestra Gente, que actúa en el barrio Santa Cruz y zonas aledañas, en la periferia de la ciudad de Medellín, Colombia.
El objetivo principal de este estudio es comprender cómo dos grupos sociales distintos utilizan el lenguaje teatral; por tanto, se muestran los elementos comunes entre el teatro político de los Sem Terra, con fuerte influencia épica-brechtiana, y el teatro comunitario de los jóvenes colombianos, de naturaleza subjetiva. Además de las similitudes, la investigación pretende también mostrar las diferencias, con la intención de promover el diálogo entre dos trabajos que parten de una misma premisa: poner el teatro al servicio del conocimiento y de la transformación social. De esta manera fue fundamental entender el contexto sociopolítico en el cual se desarrollaron estas experiencias, pues, en gran medida, las realidades de Brasil y de Colombia forjaron el surgimiento de organizaciones como el MST y Nuestra Gente. La investigación pretende servir también, a modo de modesta colaboración, para develar la falta de conocimiento que padecen las experiencias artístico-sociales actuales en América Latina.
Resumo
Esta pesquisa investiga duas experiências contemporâneas de teatro popular na América Latina: o teatro político desenvolvido pelo grupo Filhos da Mãe... Terra, formado por jovens militantes do MST, moradores do assentamento Carlos Lamarca, em Sarapuí, interior de São Paulo; e o Espantapájaros, coletivo teatral comunitário integrado por jovens que pertencem a Corporação Cultural Nuestra Gente, que atua no bairro de Santa Cruz (e áreas próximas), na periferia da cidade de Medellín, na Colômbia.
O objetivo principal deste estudo foi compreender como dois grupos sociais distintos utilizam a linguagem teatral, buscando as aproximações entre o teatro político praticado pelos Sem Terra, com forte influência épica-brechtiana; e o teatro comunitário de cunho mais subjetivo desenvolvido pelos jovens colombianos. Além das similaridades, a investigação pretendeu também buscar as diferenças, com o intuito de promover o diálogo entre dois trabalhos que partem de uma mesma premissa: colocar o teatro a serviço do conhecimento e da transformação social. Neste percurso, foi fundamental o entendimento do contexto sociopolítico em que essas experiências se desenvolveram, já que as realidades de Brasil e Colômbia, em grande medida, forjaram o surgimento de organizações como o MST e o Nuestra Gente. A pesquisa pretende também fornecer sua modesta colaboração para desvelar a falta de conhecimento que assola as experiências artístico-sociais em curso na América Latina.
Abstract
This research investigates two contemporary experiences of popular theater in the Latin America: the political theater developed by the group Filhos da Mãe... Terra, founded by young militants of MST (Without Land Movement), residents of the camp Carlos Lamarca, in Sarapuí, Sao Paulos countryside; and the Espantapájaros, theatrical community formed by young people who belong to Cultural Corporation Nuestra Gente, which acts in the district of Santa Cruz (and surroundings), in the suburb of the city of Medellín, in Colombia.
The main goal of this study was to understand how two different social groups use the theatrical language, looking for the approximations between the political theater practiced by Without Land Movement, with strong influence épica-brechtiana; and the subjective communitarian theater developed by the Colombian young people. Besides the similarities, the investigation intended also to look for the differences, with the intention of promoting the dialog between two works that start from the same premise: to put the theater to service of the knowledge and of the social transformation. In this way, the understanding of the social-political context where these experiences were developed was very important, since the reality of Brazil and Colombia, in a large extent, forged the foundation of organizations like MST and Nuestra Gente. The research intends to supply also a modest collaboration to reveal the lack of knowledge that devastates the social-artistic current experiences in the Latin America.
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Cardona Garzón, Mario.
Aportes pedagógicos del maestro Enrique Buenaventura (1958-2003) a la educación teatral en Colombia
San Juan de Pasto: Universidad de Nariño. Doctorado en Ciencias de la Educación, 2009; 254 p.
2007
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Silva, Fátima Antunes da.
A imagem poética no Nuevo Teatro Latino-Americano: o caso do TEC e La Candelária
Sâo Paulo: Universidade de Sâo Paulo, Doutorado en Sociología, 2007; 281 p.
Bajo la dirección del Dr. Sedi Hirano.
Resumen
La tesis se centra en el estudio de la imagen poética del Nuevo Teatro Latinoamericano. A partir del punto de vista de la sociología del arte se busca explicar esa imagen en las puestas en escena representativas, de dos de los principales grupos del movimiento: el TEC y La Candelaria, de Colombia. La primera hipótesis aduce que esa imagen poética se fundamenta en principios que se remontan a las vanguardias, en el inicio del siglo XX. La segunda hipótesis considera que aquellos que pusieron en escena las obras de teatro representativas del movimiento del Nuevo Teatro, además de su compromiso socio-político, emprendieron, de manera consciente o inconsciente, una búsqueda estética que puede dialogar en muchos puntos con la vanguardia rusa del siglo XX. Dicha experiencia fortaleció de forma orgánica la confluencia entre la vanguardia artística y la vanguardia política. Por medio de múltiples caminos, algunos poco evidentes y soterrados, se puede afirmar que los principios teatrales de la vanguardia rusa, específicamente el teatro de Meyerhold, tuvieron influencia sobre el Nuevo Teatro, lo cual es evidente en sus imágenes escénicas. A partir de la violencia y la barbarie de la Conquista, las sociedades de América Latina se fueron configurando bajo el signo de la fragmentación que generó la búsqueda por la unidad del Ser. El alcance de la creación de imágenes poéticas en la producción teatral de estos grupos, en la segunda mitad del siglo XX, revela una madurez relativa de esta búsqueda. Representa, no un punto de llegada propiamente dicho, sino una aproximación al reconocimiento de lo que significó, significa y significará ser latinoamericano.
Resumo
O objetivo do presente trabalho foi desenvolver um estudo sobre a imagem poética do Nuevo Teatro Latino-Americano. A análise desenvolvida, a partir do ponto de vista da Sociologia da Arte, buscou o deslindamento dessa imagem nas encenações teatrais representativas dos principais grupos do movimento: TEC e LA CANDELÁRIA da Colômbia. Parte-se de uma primeira hipótese de que essa imagem poética repousa sobre princípios que remontam às vanguardas do início do século XX. Parte-se de uma segunda hipótese de que encenadores de parte das obras teatrais representativas do movimento do Nuevo Teatro, para além de seu engajamento sócio-político já constatado, empreenderam, consciente ou inconscientemente, uma busca estética que pode dialogar em muitos pontos com a vanguarda russa do século XX. Experiência em que vigorou de forma orgânica a confluência entre vanguarda artística e vanguarda política. Por meio de múltiplos caminhos, alguns não aparentes e subterrâneos, pode-se afirmar, que houve influências de princípios do teatro de vanguarda russo, mais precisamente do teatro de Meyerhold, sobre o Nuevo Teatro, evidentes nas imagens cênicas construídas em suas obras teatrais. A partir da violência e barbárie da Conquista, as sociedades da América Latina foram se configurando sob o signo da fragmentação, o que gerou desde sua origem a busca pela unidade do Ser. O alcance da criação de imagens poéticas de sua produção teatral da segunda metade do século XX revela um relativo amadurecimento desta busca. Representa não um ponto de chegada propriamente dito, mas uma aproximação ao reconhecimento do que significou, significa e significará ser latino-americano.
Abstract
This work intends to develop a study on the poetical image of the "Nuevo Teatro Latino-Americano". From the Sociology of the Arts point of view the analysis sought to explicate this image in the theatrical presentations representative of the main groups of the movement: TEC and the Colombian LA CANDELÀRIA. The first hypothesis surmises that this poetical image rests upon principles that go back to the vanguards of the early 20th Century. A second hypothesis considers that those staging part of the theatrical works representative of the Nuevo Teatro movement, in addition to their already detected social-political commitment, consciously or unconsciously pursued an esthetical quest able to establish a wide ranging dialogue with the Russian vanguard of the 20th Century. An experience that strengthened in an organic manner the confluence between the artistic and the political vanguards. Through multiple routes, some not apparent and subterranean, it can be stated that the Russian vanguard theater principles, more precisely, the Meyerhold theater had an influence, on the Nuevo Teatro, clearly seen in the scenic images constructed in their theatrical works. After the violence and barbarism of Conquest, Latin American societies were being shaped under the sign of fragmentation which generated, as from their origin, the quest for unison of the Being. In the second half of the 20th Century, the scope of the Nuevo Teatro poetical image creation discloses a relative maturity of this quest. It does not embody a true point of arrival, but an approximation to the acknowledgment of what it meant, means and will mean to be Latin-American.
2006
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Cunniffe, Paul A.
Enrique Buenaventura y el Teatro Experimental de Cali: El acto rebelde de hacer cultura
King’s College, University of London, 2006.
Doctor of Philosophy, Department of Spanish and Spanish American Studies.
Bajo la dirección de Dr. Catherine Boyle.
Resumen
La tesis traza el desarrollo dramatúrgico de Enrique Buenaventura y del Teatro Experimental de Cali (TEC), desde su modestos comienzos en 1955, como Escuela Departamental de Teatro de Cali, hasta los años sesenta y setenta, cuando se convierte en uno de los principales grupos de teatro independiente de Colombia y Latinoamérica, vinculado con el renombrado e internacional movimiento del Nuevo Teatro.
Mediante una estructura metodológica basada en la teoría semiótica, la cual concibe la generación de significado en el teatro como histórica y culturalmente determinada, esta tesis provee una contextualización histórica del proyecto de Nuevo Teatro del TEC, identificando las influencias sociopolíticas y culturales incorporadas en más de cinco décadas de dramaturgia y práctica teatral. Los textos seleccionados del repertorio del TEC y sus puestas en escena, aquí incluidos, tienen como objetivo subrayar las nociones que el TEC desarrolló sobre el teatro, las cuales giran en torno a una creciente confrontación, cada vez mayor, entre el texto dramático y la dramaturgia del actor, conocida como teatro de creación colectiva. Aunque se reconocen las particulares circunstancias históricas que vieron la creación colectiva como un paradigma de la revolución socialista, esta tesis argumenta que el teatro desarrollado por el TEC debe ser entendido como originado a partir de una profunda investigación de las tensiones entre el texto, el performance y la interpretación, y no sólo como una mera respuesta ideológica de la izquierda política, durante el periodo de la guerra fría. Por esto mismo, la tesis propone una lectura de la creación colectiva distinta, en donde no existe una noción de lo colectivo como una negación y homogeneización del individuo, sino, más bien, como un espacio donde el individuo se completa, al asumir su responsabilidad en la creación de una cultura popular auténtica. El objetivo de la tesis es evidenciar cómo la estructura esencialmente dialéctica de este teatro –síntesis entre escenario y auditorio– se erige en un acto cultural de transformación, partiendo de su realidad sociocultural y política única, con el fin de crear nuevos horizontes culturales.
Abstract
The thesis charts the development of Enrique Buenaventura and the theatre group Teatro Experimental de Cali (TEC) from their modest beginnings in 1955, operating out of a theatre department in a local arts college, to their rise during the 1960s and 1970s as one of Colombia's, and Latin America's, foremost independent theatre groups linked to the internationally renowned New Theatre Movement.
Structured on a methodological approach founded in a semiotic theory that regards the generation of meaning in theatre as historically and culturally determined, this thesis provides a historical contextualisation of the TEC's New Theatre project, identifying the socio-political and cultural influences assimilated in over five decades of dramaturgy and performance. Selected texts and performances from the TEC's repertoire are included as a means of highlighting their developing notions of theatre, which come to revolve around an ever increasing confrontation between dramatic text and the dramaturgy of the actor, known as the theatre of collective creation. Whilst acknowledging the particular historical circumstances that saw collective creation promoted as a paradigm of the socialist revolution, I argue that the TEC's theatre should be viewed as originating from a profound investigation of the tensions between text, performance, and interpretation, rather than as a mere ideological response from the political left during the Cold War era. In doing so I propose a reading of collective creation where a notion of the collective exists not as a denial and homogenisation of the individual but, rather, as a space where the individual is made complete by assuming his or her responsibility in the creation of an authentic popular culture. I aim to portray how the essentially dialectical structure of this theatre - as a synthesis between stage and auditorium - stands as a cultural act of transformation, consciously drawing from its own unique sociocultural and political reality in order to create new cultural horizons.
2005
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Viviescas, Víctor.
Représentation de l'individu dans le théâtre colombien moderne 1950-2000
En español: Representación del individuo en el teatro colombiano moderno 1950-2000
Universite Sorbonne Nouvelle-Paris III, 2005.
Thèse de doctorat en Études théâtrales
Bajo la dirección de Jean-Pierre Sarrazac
Resumen
Esta tesis lleva a cabo una investigación del drama moderno colombiano de la segunda parte del siglo XX, a partir del concepto conocido como “la representación del individuo”. Se han investigado tres aspectos del contexto contemporáneo de escritura, los cuales son la crisis del drama, la crisis de la representación y la crisis del individuo. Esta triple crisis crea el contexto en el cual la dramaturgia estudiada nace y se desarrolla. El teatro colombiano moderno se apoya en la crisis del drama y llega, al final del siglo XX, a la experimentación de una escritura posdramática y posrepresentacional, en el contexto creado por la presencia simultánea de tres conceptos alternativos: la hibridación de la forma dramática y de la experimentación, con el fragmento como forma; el desborde y el posicionamiento de la crisis de la representación experimentada como simulacro; y la explosión del individuo y su representación, por medio de un personaje teatral experimentado como un personaje fraccionado.
Résumé (original)
Parcourant la deuxième moitié du XXe siècle, cette thèse poursuit une recherche sur l'écriture dramatique colombienne moderne autour du concept de " représentation de l'individu ". Nous avons mené une enquête simultanée sur trois aspects de l'écriture contemporaine : la crise de la forme dramatique, la crise de la représentation et la crise de l'individu. Cette triple crise crée le contexte dans lequel surgit et se développe la dramaturgie dont nous parlons. La dramaturgie colombienne moderne prend sa source dans la crise du drame, et elle aboutit, à la fin du XXème siècle, à l'expérimentation d'une écriture postdramatique et postreprésentationnelle dans le contexte créé par la présence simultanée des trois concepts alternatifs suivants : l'hybridation de la forme dramatique et l'expérimentation du fragment comme forme ; le dépassement et la mise en crise de la représentation expérimentée comme simulacre ; et l'éclatement de l'individu et de sa représentation au moyen du personnage théâtral expérimenté comme personnage éclaté.
Abstract
This thesis carries out an investigation on the modern Colombian writing during the second part of the XX century, around the concept known as "the individual's representation". Primarily we had investigated three aspects of the contemporary writing context, which are the crisis of drama, the crisis of the representation and the crisis of the individual. This triple crisis creates the context in which the dramaturgy we are about to study is borned and developed. The colombian modern theatre takes its source from the drama crisis and arrives at the end of the XX century, to the experimentation of the postdramatic and post representation writing in the context created by the simultaneous presence of three alternative concepts which are: the hybridization in the dramatic way and the experimentation of the fragment like form; the overflow and the setting in crisis of the representation that is experienced as simulation; and the individual's explosion and its representation of broken fragments through the theatrical character.
1992
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Röttger, Kati.
Kollectives Theater als Spiegel lateinanmerikanis Identität: La Candelaria und das neue columbianische Theater
Frankfurt Main: Vervuert, 1992.
Edition en der Iberoamericana, Reinhe III, Monographien und Aufsätze; 42.
Tesis doctoral originalmente presentada en Berlín por Freie Universitä.
Enlace en mantenimiento.
1970
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Barrera, Ernesto Martín.
El Teatro de Luis Enrique Osorio
University of Southern California, 1970.
Doctor of Philosophy (Spanish).
Resumen
La tesis realiza un análisis crítico sobre la producción dramática de Luis Enrique Osorio que cubre un lapso de cincuenta años, desde 1917 hasta la fecha de su muerte en 1966, y que incluye un total de cuarenta piezas. Este estudio consta de las siguientes divisiones principales: El capítulo primero se ocupa de la evolución del teatro colombiano desde los años coloniales hasta la época presente y tiene también por objeto señalar las influencias recibidas por Osorio en su carrera de dramaturgo y la que él pudo ejercer sobre otros escritores de su época. En el segundo capítulo presenta a Luis Enrique Osorio en sus aspectos biográficos y como escritor literario. A través de su vida seguimos su formación de escritor y relacionamos su existencia andariega y trashumante con su copiosa obra de dramaturgo y de orientador del teatro colombiano. El tercer capítulo estudia la obra dramática desde el punto de vista del tema y el argumento y presenta las siguientes divisiones: a) comedias de sátira política; b) comedias de costumbres y crítica social; c) comedia de asuntos sicológicos; y d) teatro de fondo histórico. En el capítulo cuarto se intenta un estudio interpretativo del arte dramático del escritor y trata principalmente de la escritura, el lenguaje y el diálogo, los tipos de dramas, la caracterización, la acción dramática, el uso de tiempo y otros elementos teatrales de interés en la obra osoriana. La tesis se cierra con una conclusión y una bibliografía que es la más completa que se ha compilado hasta el presente (1970) sobre este escritor colombiano.
Visite la exposición de Museartes Luis Enrique Osorio (1896-1966), realizada en marzo de 2016 como homenaje a los 120 años de nacimiento y 50 años de fallecimiento de uno de nuestros más prolíficos creadores teatrales.
